Piano Feeling

Music quotes / Citazioni musicali - Count Basie

2012-02-24T16:34:00.000+01:00

[EN] "The two hours on the bandstand you get for free, but for the eighteen hours on the bus we'd like to be paid." (from the book "101 Microlezioni di Jazz" by F. Bianchi and P.P. Pitacco)

[IT] "Le due ore passate sul palco ve le regaliamo, ma per le diciotto ore sull'autobus vorremmo essere pagati." (dal libro ""101 Microlezioni di Jazz" a cura di F. Bianchi and P.P. Pitacco)

Progressioni armoniche - Sequenze circolari di 2 accordi. Il modo maggiore.

2012-02-19T19:26:00.002+01:00

[Post n.10] Finora ci siamo occupati di progressioni con un solo accordo e abbiamo visto come modificando semplicemente una parte di esso sia possibile costruire ad esempio la strofa di un brano. Ora facciamo un passo avanti e esploriamo le possibilità che abbiamo a disposizione se cominciamo a lavorare con due accordi. Supponiamo tuttavia di non sapere proprio da dove iniziare. Da dove e come scegliamo due accordi? La prima cosa da fare è analizzare le scale. Prendiamo qui in esempio la scala di DO maggiore, ma il discorso vale per tutte le tonalità maggiori. Ecco di seguito innanzitutto la scala di DO maggiore composta dalle note DO, RE, MI, FA, SOL, LA, SI (oppure C, D, E, F, G, A, B nella terminologia internazionale):

I singoli suoni della scala si chiamano «gradi». Costruiamo quindi su ogni grado di questa scala una triade (accordo di tre suoni) aggiungendo alla nota di partenza (I grado, tonica o fondamentale) la terza e la quinta. Attenzione che nei sette accordi che costruiamo sui sette gradi della scala maggiore, noi non usiamo altro che i sette suoni della scala, non aggiungiamo alterazioni per rispettare gli intervalli (quindi ad esempio la terza di RE non sarà FA# ma FA). In DO maggiore le triadi costruite sui gradi della scala sono dunque le seguenti (sopra l'accordo trovate il nome, sotto invece il numero romano indica il grado della scala):

Le triadi così generate sono di 3 tipi:

triadi maggiori o accordi perfetti maggiori - si trovano sul I, IV e V grado (DO, FA e SOL)
triadi minori o accordi perfetti minori - si trovano sul II, III e VI grado (REm, MIm, LAm)
triade diminuita o accordo di quinta diminuita - si trova solo sul VII grado (SIdim).

A questo punto il nostro problema, ovvero il non sapere dove iniziare è praticamente risolto. Ci costruiamo infatti delle sequenze armoniche di due accordi basandoci sulle triadi precedenti, tralasciando solo il settimo grado. Ci occupiamo innanzitutto delle triadi maggiori e costruiamo le due progressioni circolari:

DO - FA (progressione I-IV, tonica-sottodominante)
DO - SOL (progressione I-V, tonica-dominante)

Chiamo queste progressioni circolari perché, come vedremo dai seguenti esempi audio, praticamente potremmo alternare all'infinito i due accordi di ogni singola progressione. Senza entrare troppo in dettagli tecnici, la spiegazione di questa circolarità risiede tutta nella teoria dell'armonia: DO è la dominante (V grado) di FA e SOL è la dominante di DO, e la dominante è la nota che, in una sequenza di accordi, più "naturalmente" conduce alla tonica.

Ascoltiamo alcuni esempi con piccole melodie per piano:

Anche il mondo della musica easy listening, strumentale, pop, rock ecc. usa queste due progressioni circolari a piene mani. I primi esempi che mi vengono in mente sono infatti canzoni famosissime e di successo:
Bryan Adams - Summer of '69 (strofa: accordi RE - LA, ovvero progressione I-V)

John Lennon - Imagine (strofa: DO - DO7+ - FA, ovvero progressione I-IV)
REM - Everybody Hurts (strofa e ritornello: RE - SOL, ovvero progressione I-IV)

Passando ora alle triadi minori possiamo costruire le seguenti progressioni:

DO - REm (progressione I - II)
DO - MIm (progressione I - III)
DO - LAm (progressione I - VI)

Ancora una volta possiamo creare delle progressioni circolari, anche se come mostrano gli esempi audio seguenti l'effetto non è uguale a quello delle progressioni basate su accordi maggiori, ovvero piuttosto che tornare sulla tonica (I grado, DO) l'accordo minore spesso suggerisce al nostro orecchio il passaggio ad un altro accordo.

Ed eccoci ad un ultimo importante passaggio. Abbiamo detto che "piuttosto che tornare sulla tonica (I grado, DO) l'accordo minore spesso suggerisce il passaggio ad un altro accordo", ecco che allora possiamo scegliere subito dopo l'accordo minore, ad esempio, uno degli accordi maggiori delle prime sequenze circolari (FA o SOL) così da avere un terzo accordo che con più forza ci conduce al I grado e quindi alla fine del giro armonico.
Invece di tornare al DO la sequenza DO - REm potrebbe ad esempio essere seguita dall'accordo di SOL (che tra l'altro è anche il IV grado di RE) e quindi passare dal SOL al DO creando il seguente giro armonico:
DO - REm - SOL - DO
Stesso discorso potremmo farlo con la sequenza DO - LAm. Invece di tornare al DO potremmo suonare l'accordo di FA e quindi chiudere il giro con il DO. Avremmo quindi la seguente sequenza di accordi:
DO - LAm - FA - DO

Ovviamente le combinazioni da questo punto di vista sono tantissime ed è impossibile oltre che inutile elencare tutte le sequenze di accordi che possiamo creare partendo dalle triadi maggiori. Invito a questo punto ad esercitarsi creando melodie sulle progressioni precedenti, un buon sistema può essere:

iniziare a suonare tutte le coppie di accordi circolari per acquisire familiarità con essi.
Acquisita familiarità con le progressioni circolari, invece di tornare sempre al DO dopo il secondo accordo, aggiungere 1 o 2 accordi, affinché si creino delle progressioni che partano dalla tonica (I grado) e arrivino di nuovo alla tonica passando però per più accordi, come negli esempi appena riportati.

La seguente tabella sarà di aiuto per trasportare scale e accordi in tutte le tonalità:

Quindi partendo dalla tabella possiamo ora costruirci ad esempio le triadi (1-3-5) sulla scala di RE:
RE-FA#-LA
MI-SOL-SI
FA#-LA-DO#
SOL-SI-RE
ecc.

Teniamo presente un'ultima cosa molto importante: affidarsi a queste progressioni "collaudate" non è il segreto per scrivere musiche di successo. Queste progressioni servono per prendere dimestichezza con gli accordi e per cercare soluzioni proprie e originali. Sono solo un punto di partenza, un modo per stimolare la fantasia e per tentare nuove armonie.

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Two Chords Circle Progressions - Major Mode

2012-02-18T23:53:00.000+01:00

If you are English native speaker (or native speaker of any other language except Italian) and think you would make a proofreading or a translation in your native language, please contact me, it will be helpful for the readers all over the world.

[Post #10] We have studied until now only one chord progressions and we have seen how it is possible for example to build the verse of a song simply changing a part of the only chord we have. Now let's make another step and explore the possibilities we have if we begin to work with two chords. However, what if we do not know precisely where to start? From where and how we choose two chords? The first thing to do is to analyse the scales. We take here the C major scale, but what we say is true for all major keys. Here is the C major scale which consists of the notes C, D, E, F, G, A, B:

Each sound of the scale is called "degree". We build now on each degree of this scale a triad (three sounds chord) by adding at the starting note (first degree, tonic or ground note) the third and fifth. Please note that in the seven chords that we build on the seven degrees of the major scale, we just use the seven tones of the scale, we do not add accidentals to hold the original intervals (for example, the third of D will be F instead of F#). In C major we have following triads (over the chord there is its name and under the chord the Roman numerals indicate the degree of the scale):

The triads thus generated are of 3 types:

major triads or perfect major chords - you find them on the I, IV and V degree. (C, F and G)
minor triads or perfect minor chords - you find them on the II, III and VI degree (Dm, Em, Am)
diminished triad or diminished fifth chord - you find it only the seventh grade (Bdim).

At this point our initial problem, not knowing where to start, is practically solved. In fact, we make harmonic sequences based on the previous triads, leaving only the seventh degree. We deal first with the two major triads and build circular progressions:

C - F (progression I-IV, tonic-subdominant)
C - G (IV progression, tonic-dominant)

I call these progressions "circular" because, as we shall see from the following audio samples, we can almost endlessly alternate the two chords of each progression. Without going into technical details, the explanation of this lies entirely in the theory of harmony: C is the dominant (grade V) of F and G is the dominant of C, and the dominant is the note that, in a sequence of chords, most "naturally" leads to the tonic.

Let's listen to some examples with little melodies for piano:

Even easy listening music, instrumental music, pop, rock etc use these two circular progressions. The first examples that come to mind are in fact very famous and successful songs:
Bryan Adams - Summer of '69 (verse: D - A, progression I-V)
John Lennon - Imagine (verse: C - C7+ - F, progression I-IV)
REM - Everybody Hurts (verse and chorus: D - G, progression I-IV)

Moving on to minor triads we can make the following progressions:

C - Dm (progression I - II)
C - Em (progression I - III)
C - Am (progression I - VI)

Once again we can create circular progressions, although as shown in the following audio examples the effect is not equal to that of progressions based on major chords, i.e. rather than return to the tonic (first degree, C) this minor chords often suggests to our ears the transition to another chord.

Here comes the last important step. We said that "rather than return to the tonic (first degree, C) this minor chords often suggests to our ears the transition to another chord". So we can choose just after the minor chord, for example, one of the major chords of the first circular progressions (F or G) to have a third chord that strongly brings us to the first degree of the scale and then at the end of the chord sequence.
Instead of returning to C, the sequence C - Dm could for example be followed by G (which is also the fourth degree of D) and then go from G to C chord creating the following progression:
C - Dm - G - C
Same thing we do with the sequence C - Am. Instead of returning to C, we could play F, and then close the sequence with C. We would therefore have the following chord progression:
C - Am - F - C
Obviously there are so many combinations that is impossible and useless to list all the chord sequences that we can create starting from major triads. You should now practice creating melodies on all previous progressions. A good method could be:

start to play all circular progressions.
After you feel familiar with them, instead of always returning to C after the second chord, add 1 or 2 chord, so that you create progressions that start from the tonic (first degree) and to come back to the tonic, passing over more chords, as in the examples given above.

The following table will help you to transport scales and chords in all keys:

So, starting from the above table we can now build the same triads (1-3-5) on the scale of D:
D - F# - LA
E - G# - B
F# - A - C#
G - B - D
etc..

Let's remember one last very important thing: to rely on these progressions is not the secret to success. You should use these progressions to get familiar with the chords and to find your own original musical solutions.

Copyright © Piano Feeling. As always, all material on this site is free, please quote and add a link to the source (this page) if you want to copy somewhere else all or only part of this article. Thanks.

If you find this post interesting or if you like my transcriptions, a small donation would be very appreciated (just click the button in the menu on the right sidebar of this page). It would demonstrates appreciation and would help me to go on making other music covers. Thanks!

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Schönberg - Le triadi sui gradi della scala

2012-02-15T16:27:00.000+01:00

Da "Manuale di armonia"
IV - Le triadi sui gradi della scala

Cominciamo col costruire su ciascun grado della scala una triade, seguendo il modello della triade fondamentale [...] Queste triadi non devono però, come quella che fa da modello, essere triadi fondamentali, ma a causa delle esigenze della tonalità devono essere solo libere imitazioni dell'idea di fondamentale, terza e quinta, ovvero delle distanze 1-3-5. Come terze e quinte di queste triadi non metteremo, se così si può dire, gli intervalli propri di quel suono (inteso come fondamentale di una tonalità): sul secondo grado della scala di do maggiore (re) non metteremo fa# e la, ma le note proprie della scala, fa e la, per garantirci fin dai primissimi esercizi il senso della tonalità. In altre parole: nei sette accordi che costruiamo sui sette gradi della scala maggiore, noi non usiamo altro che questi sette suoni, cioè quelli della scala. In do maggiore le triadi costruite sui gradi della scala sono dunque le seguenti:

I singoli suoni della scala, quando sono suoni fondamentali, cioè i suoni più bassi di una triade, si chiamano «gradi»: il do nella triade do-mi-sol è dunque il primo grado, il re nella triade re-fa-la il secondo grado, il mi nella triade mi-sol-si terzo grado e così via. Le triadi sono di costituzione diversa. troviamo triadi costituite, dal basso in alto, di una terza maggiore più una terza minore, che vengono a formare una quinta perfetta, e altre in cui questa quinta perfetta viene ad essere formata all'inverso, cioè con la terza minore prima e la terza maggiore poi; e infine troviamo una triade compresa in un intervallo di quinta diminuita, formata da due terze minori sovrapposte. Le triadi del primo tipo - triadi maggiori o accordi perfetti maggiori - si trovano sul I, IV e V grado, quelle del secondo tipo - triadi minori o accordi perfetti minori - sul II, III e VI grado - e quella del terzo tipo - triade diminuita o accordo di quinta diminuita - solo sul VII. [...]

A. Schönberg

Schönberg - Il modo maggiore e le triadi sui gradi della scala

2012-02-08T20:33:00.000+01:00

Da "Manuale di armonia"
IV - Il modo maggiore e le triadi sui gradi della scala

[...]

1. Un suono è composto da una serie di suoni simultanei, gli armonici*, costituisce cioè un accordo. Gli armonici di un suono fondamentale do₁ sono:

do₂, sol₂, do₃, mi₃, sol₃, (sib₃), do₄, re₄, mi₄, fa₄, sol₄, ecc.

2. In questa serie di suoni do è quello che ha maggior forza perché si presenta con maggiore frequenza e perché risuona anche come suono fondamentale, cioè di per se stesso.

3. Dopo il do il suono che ha più forza è il sol che si presenta prima e anche più spesso dei restanti armonici.

Se si pensa a questo sol₂ a sua volta come un suono reale [...] anch'esso ha degli armonici che sono:

sol₃, re₄, sol₄, si₄, re₅, ecc.

tenendo presente che il presupposto di questo sol₂ con tutti i suoi armonici è il do₁ [...] ne deriva:

4. che un suono reale (il sol₂) risulta dipendente dal do₁ che sta una quinta sotto. Ciò permette di concludere che questo suono do₁ è a sua volta dipendente dal FA una quinta sotto. [...]

Una volta autorizzati a ritenere che gli armonici del sol possono essere realizzati in se stessi, si può applicare questa supposizione al FA dal momento che il FA sta al do₁, come il do₁ sta al sol₁. [...]

Addizionando gli armonici** (senza tenere conto di quelli ripetuti) si ottengono i sette suoni della scala [...]

FA	fa do fa		la do		(mi_b)	fa	sol	la	(si_b)	do
do₁	do	sol	do		mi		sol		(si_b)	do
sol₁		sol		re			sol		si

---------------------------------------------------------------------------------------------------------------------

					(mi_b)				(si_b)
			do	re	mi	fa	sol	la	si	do

È la nostra scala di do maggiore.

Si presenta qui un interessante fenomeno marginale.

I due suoni mi e si compaiono nella prima ottava modificati rispettivamente in mi_be si_b [...] La seconda ottava nella quale gli armonici del FA e de DO si avvertono già più debolmente, decise in favore del mi e del si naturali. [...]

Se la scala è l'imitazione del suono nella dimensione orizzontale, successiva, gli accordi ne sono l'imitazione nella dimensione verticale, nella simultaneità. Se la scala è l'analisi, l'accordo è la sintesi del suono. Un accordo deve, per sussistere, essere formato da tre suoni, e il più semplice è ovviamente quello che meglio riproduce gli effetti più semplici e evidenti del suono stesso, cioè la triade maggiore formata dalla fondamentale, terza maggiore e quinta perfetta, accordo che imita l'eufonia del suono in modo da rinforzare i suoni più vicini trascurando quelli più lontani.

A. Schönberg

*Un suono è la somma di una vibrazione fondamentale e di altre vibrazioni, dette armoniche. [nota mia]
** Di FA, do₁ e sol₁ [nota mia]

Progressioni armoniche - brani con un accordo solo (parte III)

2012-02-05T14:50:00.001+01:00

[Post n.9] Nell'ultimo post abbiamo visto come è possibile creare parte di un brano con un solo accordo variandolo anche in una sola nota in modo da superare quella sensazione di incompletezza derivata dalla ripetizione sterile e sempre uguale dello stesso accordo, situazione quest'ultima che avevamo analizzato nel primo post sulle progressioni armoniche.

Ecco due ultimi esempi con progressioni di questo tipo (questa volta in tonalità DO maggiore). Dal prossimo post in poi ci occuperemo di sequenze armoniche con 2 o più accordi.

Esempio n.1: DO / DO7+ / DO7 / DO7+

DO7+
(invece del DO centrale dell'accordo precedente suoniamo il SI)

DO7
(invece del SI dell'accordo precedente suoniamo il SIb)

DO7+

Esempio n.2: DO / DO5+ / DO6 / DO5+
DO / DO5+ / DO6 / DO7

DO5+
(accordo con la quinta eccedente, invece del SOL dell'accordo precedente suoniamo SOL#)

DO6
(invece del SOL# dell'accordo precedente suoniamo il LA)

DO5+

DO6

DO7
(invece del LA dell'accordo precedente suoniamo il SIb)

Ed ecco il risultato in video con audio e spartito:

Spartito esempio 1

Spartito esempio 2

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Chord Progressions - One Chord Songs (part III) - Augmented Progressions

2012-02-05T14:50:00.000+01:00

[Post #9] In my last post we have seen how we can make a song or a part of it using only one chord, every time repeated with little changes. This was a way to avoid that feeling incomplete or unfinished that we had with the One Chord Song in my first post on the Harmonic Progressions.

Below two final example of this augmented progressions (this time in C major). In the next post we will see some harmonic progressions with 2 or more chords.

Example 1: C / C7+ / C7 / C7+

C7+
(instead of the C of the previous chord we play B)

C7
(instead of the B of the previous chord we play Bb)

C7+

Example 2: C / C5+ / C6 / C5+
C / C5+ / C6 / C7

C5+
(augmented fifth, instead of G of the previous chord we play G#)

C6
(instead of G# of the previous chord we play A)

C5+

C7
(instead of A of the previous chord we play Bb)

This is the result with sheet music:

Sheet music example 1

Sheet music example 2

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Dire Straits - News - Piano Cover

2012-02-01T23:28:00.004+01:00

La descrizione in italiano si trova in basso
subito dopo il video.

This is a complete piano cover and transcription of "News" a very beautiful Dire Straits' Song.

In the intro there is following notation:

m.d. just means "right hand", this is how I play it in the video (alternating left and right hand) but you could also play this notes with only one hand.

The song has a lot of "crescendo" and "diminuendo" (see picture below), it is very important that you follows this dynamic marks if you want to play the song correctly. Always in the picture below I marked a chord in red. This bars repeat very often during the song and I used to play that chord as an "arpeggio".

Download my complete PDF Piano Transcription
of this song from LULU website.

Dire Straits - Brothers in Arms By Dire Straits. Piano/Vocal/Guitar Artist Songbook. 56 pages. Published by Hal Leonard (HL.306118)
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News è una bellissima canzone dei Dire Straits, qui trovate la mia cover completa per pianoforte inclusa la trascrizione su spartito.

Nell'intro trovate la seguente indicazione:

m.d. significa appunto "mano destra" e così io eseguo questa parte nel video (alternando note con la sinistra a note con la destra) si può ovviamente suonare tutto il passaggio con una sola mano se si vuole.

Tutto il brano ha moltissimi "crescendo" e "diminuendo" (come da immagine in basso),è molto importante seguire questi segni dinamici altrimenti si perde molto come espressione. In ultimo sempre nell'immagine in basso ho segnato un accordo in rosso. Questa parte si ripete molto spesso durante tutto il brano e io eseguo questo accordo quasi sempre "arpeggiato".

Scarica la mia trascrizione completa per pianoforte
in PDF dal sito LULU.

Dire Straits - Brothers in Arms By Dire Straits. Piano/Vocal/Guitar Artist Songbook. 56 pages. Published by Hal Leonard (HL.306118)
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Schönberg - Consonanza e dissonanza

2012-01-21T18:30:00.000+01:00

Da "Manuale di armonia"
III - Consonanza e dissonanza

"[...] Materiale della musica è il suono che, in primo luogo, agisce sull'orecchio. La percezione sensibile provoca delle associazioni e mette in relazione suono, orecchio e mondo delle sensazioni: dal concorso di questi tre fattori dipende tutto ciò che si avverte nella musica in quanto arte. Come si osserva tuttavia che un composto chimico ha proprietà diverse dai singoli elementi che lo compongono, e che l'impressione prodotta da un'opera d'arte ha altre proprietà rispetto a quelle dei singoli componenti, analogamente siamo autorizzati, analizzando il fenomeno nel suo insieme, a prendere in considerazione per determinati scopi determinate proprietà dei singoli elementi costitutivi [...]

Sarebbe probabilmente assurdo voler derivare da una delle componenti, per esempio dal suono, tutto ciò che costituisce la «fisica» dell'armonia; tuttavia se ne potranno sempre trarre alcune peculiarità, dal momento che l'orecchio, nella sua qualità di organo ricettivo dato, ha comunque una disposizione naturale per il suono [...]

Ma uno dei tre fattori elencati sopra, cioè il mondo delle nostre sensazioni, si sottrae talmente ad un preciso controllo che sarebbe probabilmente sconsiderato basarsi sulla poche supposizioni possibili in questo campo all'osservazione con la stessa sicurezza con cui ci si basa su quelle supposizioni che vengono chiamate col nome di «scienza». [...]

Ripeto che materiale della musica è il suono; esso va dunque considerato, con tutte le sue caratteristiche e con tutti i suoi effetti, come elemento capace di dar luogo a fenomeni artistici. Tutte le sensazioni che produce sono poi gli effetti manifestati dalle sue caratteristiche, e influiscono in qualche maniera sulla forma, di cui il suono è elemento costitutivo, cioè su tutto il pezzo musicale. Una delle sue caratteristiche più notevoli è la serie degli armonici superiori, dove, dopo alcuni suoni più facilmente avvertibili, compare una serie di suoni più deboli. È certo che di questi suoni armonici i primi sono più familiari e gli ultimi - praticamente impercettibili - più estranei all'orecchio. In altre parole, sembra che quelli più vicini contribuiscano, in maggior misura o con elementi più sensibili, a quello che abbiamo indicato come il fenomeno generale del suono in quanto fenomeno atto ad effetti d'arte, mentre quelli più lontani sembrano contribuirvi in misura minore. [...]

La differenza è dunque tra loro graduale e non sostanziale [...] e le espressioni «consonanza» e «dissonanza», che indicano un'antitesi, sono errate: dipende solo dalla crescente capacità dell'orecchio di familiarizzarsi anche con gli armonici più lontani, allargando in tal modo il concetto di «suono atto a produrre un effetto d'arte» in modo che vi trovi posto tutto il fenomeno naturale nel suo complesso. [...]

Definisco «consonanze» i rapporti più vicini e semplici rispetto al suono fondamentale, «dissonanze» quelli più lontani e più complicati. [...]

La consonanza più perfetta, dopo l'unisono, è il suono che nella serie degli armonici si presenta per primo, quindi spesso anche il più sensibile: l'ottava. Poi viene la quinta, infine la terza maggiore, mentre la terza minore e la sesta maggiore e minore da un lato non sono rapporti del suono fondamentale, dall'altro non si incontrano nella serie ascendente degli armonici [...] Invece la quarta, designata come «consonanza imperfetta», è un rapporto della fondamentale ma in direzione opposta, e potrebbe per questo essere considerata, come la terza minore, la sesta maggiore e la sesta minore, una consonanza imperfetta oppure una consonanza vera e propria come talvolta avviene. Ma l'evoluzione della musica ha qui seguito un'altra via, dando alla quarta una posizione particolare. Sono considerate dissonanze la seconda maggiore e minore, la settima maggiore e minore, la nona, ecc., poi tutti gli intervalli aumentati e diminuiti (ottava, quarta, quinta, aumentate e diminuite), e così via."

A. Schönberg

Music quotes / Citazioni musicali - Gustav Mahler

2012-01-17T00:45:00.000+01:00

[DE] "Mein ganzes Leben ist ein großes Heimweh." (Brief an seinen Freund Friedrich Löhr).

[EN] "My whole life is one great homesickness." (Letter to his friend Friedrich Löhr).

[IT] "La mia vita intera è una grande nostalgia." (Lettera al suo amico Friedrich Löhr)

DJ Antoine vs Timati feat. Kalenna - Welcome To St. Tropez - Piano Transcription

2012-01-13T00:25:00.000+01:00

Many people won't really believe that in a blog with Dire Straits, Toto, Steve Wonder covers and so on there is also place for a song like this.I hope I don't disappoint the purists if I transcribe a dance song (DJ Antoine vs Timati feat. Kalenna - Welcome To St. Tropez) which is really an earworm. The chord are: Cm - Ab - Bb - Eb - Bb/D

If my work helped you to save time and money learning this song I would really appreciate if you would think about making a small donation (right sidebar menu button). Thanks!

Molti non ci crederanno che in un blog come questo dove ci sono cover dei Dire Straits, Toto e Stevie Wonder trova spazio anche un brano come questo. Spero che molti non siano delusi se trascrivo una canzone dance ma si tratta veramente di un motivetto che non esce dalla testa e alla fine se fatta con impegno tutta la musica deve essere trattata con dignità.

Gli accordi di questo brano sono: DOm - LAb - SIb - MIb - SIb/RE

Se grazie a questo piccolo aiuto avete risparmiato tempo e denaro per imparare questo brano sarebbe bello se pensaste a fare una piccola donazione (menu in alto a destra). Grazie!

Progressioni armoniche - brani con un accordo solo (parte II)

2012-01-08T21:35:00.000+01:00

[Post n.8] Nel post precedente ho fatto l'esempio di un brano di musica con un accordo solo. Ho mostrato alcune caratteristiche e alcuni limiti di una musica priva di una sequenza di accordi. Scegliere un accordo e improvvisarci sopra anche solo note della sua scala, magari variando intervalli e durata delle note stesse è un buon esercizio preparatorio per il discorso che stiamo facendo.

Vediamo ora come sia possibile creare un brano o una parte di esso (ad esempio la strofa o il ritornello) usando sempre un solo accordo ripetuto ogni volta con alcune variazioni.

Partiamo quindi da RE maggiore (la tonalità del brano ad un solo accordo del precedente post) e proviamo una sequenza basata sempre solo sul RE ma nella quale l'accordo viene ripetuto modificando una nota:

RE / RE9 / RE7+ / RE

Ecco le posizioni sulla tastiera del piano (in blu le note suonate con la sinistra, cliccare le immagini per ingrandire).

RE9
(eliminiamo il RE dell'accordo precedente e aggiungiamo il MI)

RE7+
(eliminiamo il MI dell'accordo precedente e aggiungiamo il DO#)

RE

Ed ecco il risultato in video con lo spartito:

Come si può notare questa facile sequenza tutta basata sul RE potrebbe benissimo essere parte di un brano, ed infatti sono diversi gli esempi di brani famosi e di successo nei quali gli autori hanno usato questo sistema per comporre la strofa. Eccone un paio:
Sixpence None The Richer - Kiss me

Pino Daniele - Quanno Chiove

Supertramp - Lord is it mine

Nel prossimo post mostrerò altri 2 esempi di queste progressioni armoniche con un solo accordo.

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Chord Progressions - One Chord Songs (part II) - Augmented Progressions

2012-01-08T13:20:00.000+01:00

[Post #8] In my previous post I presented an easy piano peace based only on one chord. I showed features and limits of a music made without a chord progression or chord changes. To choose a chord an start an improvisation on it should be a good preparatory study. You can even use only the chord scale varying intervals and duration of the notes.

Next step is to see how we can make a song or a part of it (for example the verse or the chorus) using only one chord every time repeated with a little change.

We start from D (the same chord of my one chord song of the previous post) and try to make a progression based always on this chord, but in each chord repetition I chance one note:

D / D9 / D7+ / D

These are the chords positions on the keyboard (left hand notes are in blue, click the picture to enlarge).

D9
(instead of the note D of the previous chord we play the note E)

D7+
(instead of the note E of the previous chord we play the note C#)

This is the result with sheet music:

As you can see this simple sequence based only on D could very easly be a part of a song and in fact there are several example of famous songs based on it, the first two I remember are:

Sixpence None The Richer - Kiss me (verse)
Supertramp - Lord is it mine (verse)

In the next post I will show 2 more Augmented Progression.

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Learn To Compose And Notate Music - Beginning Level (By Lee Evans and Martha Baker). Evans Piano Education. 24 pages. Published by Hal Leonard (HL.9072)
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Schönberg - Il metodo d'insegnamento dell'armonia

2012-01-06T21:15:00.000+01:00

Da "Manuale di armonia"
II - Il metodo d'insegnamento dell'armonia

"Si suole suddividere la materia dell'insegnamento della composizione in tre settori: armonia, contrappunto e forma.

L'armonia è la teoria degli accordi e delle loro possibilità di collegamento con riguardo ai loro valori architettonici, melodici e ritmici e ai loro rapporti di equilibrio.

Il contrappunto è la teoria della disposizione e del movimento delle parti con riguardo alla combinazione tematica (può essere anche la teoria delle «forme contrappuntistiche»).

La teoria della forma insegna a costruire e sviluppare le idee musicali. [...]

Non intendo in linea di massima polemizzare con singoli metodi di autori ben identificabili, e mi limiterò a spiegare le cose come le ho ravvisate nella loro esattezza; tuttavia, iniziando un'esposizione che ritengo nuova, sono prima costretto a confutare quella vecchia corrente. Questa stessa ragione mi impone di non menzionare quali delle singole idee esposte in questo volume io ritengo nuove. Io sono un musicista e quello che dirò qui non l'ho racimolato in giro, ma posso ritenerlo frutto di pensiero, delle mie esperienze di insegnante e compositore, e in questa veste sono ben autorizzato a dispensarmi dalle indicazioni delle fonti, che sono la norma nei lavori a carattere teorico: è un lavoro lungo e improduttivo e può farlo solo chi ama più la teoria che il lato vivo dell'arte.

Preferisco ammettere che io devo evidentemente molte indicazioni a sistemi già esistenti: quali e quanti non lo so più, perché ho perso ogni possibilità di controllo in questo senso, dato il modo con cui ne ho fatto uso. Ma va detto anche che tutto il meglio di questo volume lo devo per lo più a cattivi libri e a idee sbagliate, che mi hanno costretto a meditare sul giusto; altre cose sono venute fuori da sole elaborando tutto il sistema, mentre l'insieme è l'intuizione artistica, e come tale immediato."

A. Schönberg

Beethoven - Note udite e note sul pentagramma

2011-12-22T21:33:00.001+01:00

La sordità di Beethoven è un fatto universalmente conosciuto. Oggi sul sole24ore on line ho trovato questo interessante articolo che si riferisce ad una ricerca pubblicata sul British Medical Journal secondo la quale l'avanzare della sordità del Maestro ha influenzato non solo direttamente l'udito e la percezione delle note, ma anche, come conseguenza, le stesse note che Beethoven ha trasformato in musica.

L'avanzare della malattia è stato documentato dagli scritti stessi e le confessioni di Beethoven mentre la ricerca prende in analisi solo i quartetti d'archi, che sono divisi in tre periodi.

Nel primo periodo Beethoven non ha grandi problemi di udito e non vi sono limitazioni nelle note delle sue partiture. Il secondo periodo la sordità da incipiente diventa cronica fino ad essere totale. Le prime note che il Maestro non riesce più correttamente a percepire sono gli alti. L'analisi quantitativa delle note usate negli spartiti mostra come gli alti si siano ridotti drasticamente rispetto al primo periodo.

Nel terzo periodo, con Beethoven completamente sordo, non vi sono più limitazioni alla composizione ed è come se questo grande artista non ascolti più solo il suo orecchio fisico ma anche il suo orecchio interiore.

Per Richard Wagner "le composizioni dell'ultimo Beethoven sono eccezionali non nonostante la sua sordità, ma a causa di essa, la quale lo ha protetto dalle influenze del mondo esterno e costretto a vivere nel suo mondo interiore."

Si tratta di una prospettiva interessante, ma che pone due sfide da superare:

1) l'analisi quantitativa per essere davvero credibile deve essere estesa anche alle altre composizioni, principalmente sonate e sinfonie.

2) non bisogna dimenticare che le composizioni sono anche influenzate dalla biografia di un artista. E se il concentrarsi sui bassi riflettesse solo un periodo cupo di questo straordinario musicista?

Beethoven’s deafness and his music styles

2011-12-22T21:08:00.000+01:00

Everybody knows that Beethoven became deaf. The British Medical Journal shows today a theory according to which his deafness influenced the notes he composed on the scores.

In his first period there was no limitation in the notes he used, in the second period he avoided the high frequencies as he wasn't able to listen them. In his third period he was completely deaf an composed listening his internal ear, not his physical one. Again no limitation in the notes he choose for his compositions.

"For Richard Wagner, Beethoven’s late works were supreme (“a revelation from another world”), not despite, but because of, his deafness, which shielded the composer from the disturbance of the outer world and forced him to live in his inner world"

This quantitative research was made on the string quartets and the deafness of Beethoven was analysed according to what the great composer wrote in his letters and notebooks.

Yet there are still two challenge that can turn this theory in something more than just an idea:

1) quantitative analysis should now examine other scores as sonatas and symphonies.

2) The composition is also influenced by artist's biography. What if in this second period the big Maestro avoided high frequencies only because it was a dark moment of his life?

Gary Moore - Still Got The Blues - Piano Cover

2011-12-18T13:04:00.000+01:00

La descrizione in italiano si trova in basso
subito dopo il video.

This is my Piano Solo Cover of "Still Got The Blues" by Gary Moore. The right hand plays the lead guitar and some chord that follow the voice melody. The left hand plays bass notes and the 2nd guitar arpeggios. It is pretty easy to play until the chorus where left and right hand both play the melody or the strings, so that what starts with one hand ends with the other:

The final solo is not 100% like the original, some licks are the same some are improvised with a look-like feeling.

This is a big transcription (136 bars, 5 pages), so if you saved time and money to learn this Song with my work, please consider to make a donation (right sidebar menu button). It will help my to go on and make more transcriptions. Thanks!

Download my complete sheet music PDF piano transcription
of this song from LULU website.

Cover di "Still Got The Blues" di Gary Moore. La mano destra suona la lead guitar e alterna accordi di accompagnamento alla voce. La sinistra combina basso e arpeggi della seconda chitarra. Si tratta di un brano abbastanza facile da suonare, almeno fino al ritornello. Qui mano destra e mano sinistra si alternano suonando le note della melodia e quelle degli archi. I passaggi iniziano con una mano e finiscono con l'altra:

L'assolo finale non è uguale al 100% con l'originale, che presenta troppi elementi tipici della chitarra. Una parte di quello che suono è come l'originale una parte è improvvisata seguendo lo stile del pezzo.

Si tratta di una trascrizione molto grande (136 battute, 5 pagine), per questo se hai risparmiato tempo e soldi grazie al mio lavoro una piccola donazione sarebbe davvero lieta (cliccando il pulsante nel menù in alto a destra). Oltre a dimostrare apprezzamento mi aiuterebbe ad andare avanti e fare altri lavori musicali. Grazie!

Scarica la mia trascrizione completa per piano di questo brano
dal sito LULU.

Schönberg - Teoria o metodologia

2011-12-15T00:31:00.000+01:00

Da "Manuale di armonia"
I - Teoria o metodologia

"Colui che insegna la composizione musicale è chiamato insegnante di teoria; chi poi ha scritto un trattato di armonia è chiamato addirittura teorico. Eppure a un falegname, che anch'egli deve insegnare il mestiere al suo apprendista non verrà mai in mente di spacciarsi per «insegnante di teoria»: semmai si definisce mastro falegname [...] Perché dunque un falegname non si chiama «teorico», o un teorico della musica «mastro musico»? [...]

Il fatto è che [la teoria dell'arte] non vuol essere il tentativo di trovar delle leggi, ma pretende di aver trovato le leggi eterne. [...] Ma qui incomincia l'errore, perché si trae la falsa conclusione che queste leggi, dal momento che sono apparentemente vere per i fenomeni osservati fino a quel momento, dovrebbero esser valide d'ora innanzi anche per tutti i fenomeni futuri. [...]

Ma quando affermo che esiste qualcosa che per me non è requisito necessario per conseguire un buon risultato artistico, quando dico che la tonalità non è una legge naturale ed eterna nella musica, tutti vedono che i teorici saltano su indignati e mettono in dubbio la mia onorabilità [...]

Al diavolo tutte queste teorie, se servono solo a incatenare l'evoluzione dell'arte, e se tutto quello che hanno di positivo consiste, al massimo, nell'aiutare coloro che saranno comunque dei cattivi compositori a diventare presto tali. [...]

Per consolidare la sua posizione insostenibile il teorico ha bisogno di una forza che gli viene dall'alleanza con l'estetica, la quale si occupa solo di cose eterne e nella vita arriva dunque sempre troppo tardi. [...]

Le «quinte» parallele sono cattive (e perché?), questa nota di passaggio è dura (e perché?), gli accordi di «nona» non esistono, oppure sono duri (e perché?). Dove si trova nel sistema dell'armonia la risposta comune a questi tre «perché»? Il sentimento del bello? E che cos'è il sentimento del bello? [...]

Se riuscirò ad insegnare a un solo allievo l'artigianato della nostra arte così a fondo come lo può fare qualsiasi falegname, allora sarò contento. E sarei orgoglioso di poter dire, variando un detto ben noto: «Ho tolto ai miei allievi di composizione una cattiva estetica, ma ho dato loro in cambio un buon mestiere.»"

A. Schönberg

Stone Temple Pilots - Interstate Love Song - Piano Cover

2011-12-04T12:24:00.001+01:00

La descrizione in italiano si trova in basso
subito dopo il video.

This is my Piano Solo Cover of "Insterstate Love Song" from the album "Purple" by Stone Temple Pilots. I played the whole song and transcribed it completely. Not hard to play the only difficulty was to remember the song structure (!) as it is not the usual Intro-Verse-Bridge-Chorus but:
Intro
Bridge (2 times)
1st Verse
2nd Verse
Bridge
Chorus
Bridge (2 times)
3rd Verse
Chorus
Bridge

Download my PDF transcription here
from LULU website.

Thanks for reading. If you like my work please consider to make a donation (right sidebar menu button). It will help my to go on and make more covers and transcriptions!

Cover per piano solo di "Interstate Love Song" dall'album Purple degli Stone Temple Pilots. Ho eseguito il brano integralmente e l'ho completamente trascritto. Non ci sono difficoltà a parte quella di ricordare la struttura di questa canzone che non è la solita sequenza Intro-Strofa-Bridge-Ritornello ma:
Intro
Bridge (2 volte)
Strofa 1
Strofa 2
Bridge
Ritornello
Bridge (2 volte)
Strofa 3
Ritornello
Bridge

Scarica la mia trascrizione in PDF qui
dal sito LULU.

Grazie per la lettura. Se con il mio lavoro hai risparmiato tempo e soldi imparando questa canzone , una piccola donazione sarebbe davvero lieta (cliccando il pulsante in alto nel menù a destra). Oltre a dimostrare apprezzamento mi aiuterebbe ad andare avanti e fare altri lavori musicali.

TOTO - Isolation - Piano Cover

2011-11-20T23:33:00.001+01:00

La descrizione in italiano si trova in basso
subito dopo il video.

This is my Piano Solo Cover of Isolation by TOTO. To play this cover I used the original sheet music, I was very lucky to find an hard cover copy! Try to learn this song watching my hands and listening to my video. Moreover you find below some short transcriptions of changes that I made to the original score to make it more similar to the recorded song.
First the verse (the intro is 100% the same first without bass, then with bass notes):

The red ring shows you a bass change you should do only in the middle of the verse. Please note that the first verse is played one octave lower.
The final part of the second verse has also a change, here it is:

Same tempo but different chord positions.

The rest of the song is played like the original scores. Here some chords (the lines mean end of the bar, the brackets the chord durations).
Bridge:
F (4/4)
C/G (1/4+1/8)
Gsus4 (1/8+2/4)
F/A (4/4)
no chords (bass notes at minute 1'05' of the video)
F (4/4)
C/G (2/4)
E/G# (2/4)
Am (4/4)
G/B (1/4)
A/C# (1/4+1/8)
D (1/4+1/8)

Chorus:
Em (4/4)
Dsus4/F# (1/4 - anticipated on the last 1/8 of the previous bar)
D/F# (3/4)
C (1/4 - anticipated on the last 1/8 of the previous bar)
D/C (3/4)
Dsus4/B (1/4 anticipated on the last 1/8 of the previous bar)
D/B (1/4)
Dsus2/F# (1/4)
Csus2 (1/4+1/8)

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Best of TotoBy Toto. Piano/Vocal/Guitar Artist Songbook. Softcover. 68 pages. Published by Cherry Lane Music (HL.2501399)
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Questa è la mia cover di Isolation dei TOTO. Il video è diviso in due parti, la prima è l'esecuzione al pianoforte su una base musicale senza voce. Per eseguire questo brano ho usato lo spartito originale, difficilissimo da reperire ne ho trovato una copia cartacea in un negozio. Per imparare questa canzone consiglio di guardare e ascoltare il video e di seguire la breve trascrizione in basso. Nella trascrizione evidenzio i cambiamenti che ho fatto allo spartito originale.
Strofa (l'intro è uguale al 100% e viene suonato prima senza note di basso e poi con le note):

La parte evidenziata con il cerchio rosso va suonata solo al centro della strofa. Attenzione: la prima strofa va suonata un'ottava sotto. La parte finale della seconda strofa presenta un'altra variazione:

Gli accordi seguono lo stesso tempo ma le posizioni sono differenti.

Ho suonato il resto della canzone secondo lo spartito originale. Di seguito gli accordi (la linea indica la fine della battuta e in parentesi indico la durata di ogni accordo).
Bridge:
F (4/4)
C/G (1/4+1/8)
Gsus4 (1/8+2/4)
F/A (4/4)
nessun accordo (qui si suonano solo note di basso come al minuto 1'05' del video)
F (4/4)
C/G (2/4)
E/G# (2/4)
Am (4/4)
G/B (1/4)
A/C# (1/4+1/8)
D (1/4+1/8)

Ritornello:
Em (4/4)
Dsus4/F# (1/4 - anticipato sull'ultimo 1/8 della battuta precedente)
D/F# (3/4)
C (1/4 - anticipato sull'ultimo 1/8 della battuta precedente)
D/C (3/4)
Dsus4/B (1/4 - anticipato sull'ultimo 1/8 della battuta precedente)
D/B (1/4)
Dsus2/F# (1/4)
Csus2 (1/4+1/8)

Grazie per la lettura. Se hai risparmiato tempo e soldi imparando questa canzone grazie al mio lavoro, una piccola donazione sarebbe davvero lieta (cliccando il pulsante in alto nel menù a destra). Oltre a dimostrare apprezzamento mi aiuterebbe ad andare avanti e fare altri lavori musicali.

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Evanescence - Going Under - Piano Cover

2011-11-20T21:12:00.001+01:00

La descrizione in italiano si trova in basso
subito dopo il video.

This is my cover of Going Under by Evanescence. This video is made of 2 parts. In the first part I play with a backing track (without voice), in the second part you can listen to a Piano solo version. Background Music courtesy of Tency Music: www.karaoke-version.com
To play this song I used the original scores with some changes. As you can see below I added the second guitar, first played with the right hand then with the left one.

The whole chorus is rearranged with some original bass riff.

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Fallen(Piano/Vocal/Chords). By Evanescence. For voice, piano and guitar (chords only). This edition: Piano/Vocal/Chords. Artist/Personality; Personality Book; Piano/Vocal/Chords. Pop Rock and Hard Rock. Difficulty: medium to medium-difficult. Songbook. Vocal melody, piano accompaniment, lyrics, chord names and guitar chord diagrams. 68 pages. Published by Alfred Music Publishing (AP.PFM0322)
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Evanescence -- The Piano Style of Amy Lee(Piano/Vocal/Chords). By Evanescence. For Keyboard; Piano; Voice. This edition: Piano/Vocal/Chords. Artist/Personality; Personality Book; Piano/Vocal/Chords. Rock. Book. 72 pages. Published by Alfred Music Publishing (AP.32165)
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Questa è la mia cover di Going Under degli Evanescence. Il video è diviso in due parti, la prima è l'esecuzione al pianoforte su una base musicale senza voce. La seconda è una versione solo piano. La backing track è una gentile concessione di Tency Music: www.karaoke-version.com. Questa cover si basa sullo spartito originale ma ci sono alcuni cambiamenti. Come si vede qui di seguito ho aggiunto anche la seconda chitarra, sunata prima con la mano destra e poi con la sinistra.

Il ritornello è riarrangiato completamente aggiungendo un riff originale al basso.

Grazie per la lettura. Se hai risparmiato tempo e soldi imparando questa canzone grazie al mio lavoro, una piccola donazione sarebbe davvero lieta (cliccando il pulsante in alto nel menù a destra). Oltre a dimostrare apprezzamento mi aiuterebbe ad andare avanti e fare altri lavori musicali.

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Pink Floyd - Another Brick in the Wall, pt. 2 - Cover Piano Solo

2011-10-26T23:20:00.000+02:00

La descrizione in italiano si trova in basso
subito dopo il video.

This is my cover of the guitar solo of Another Brick in The Wall, pt.2 by Pink Floyd. This video is made of 2 parts. In the first part I play with a backing track (without guitar), in the second part I play a playback on a backing track with guitar.

I recorded my playing using the original track but the video was removed because of copyright infringement. Now that I use backing tracks there are some light differences in speed and the piano is sometimes not perfectly synchronized with the rest of the music. Hope you enjoy it anyway.

If you saved time and money to learn this solo with my work, please consider to make a donation (right sidebar menu button). It will help my to go on and you will receive in exchange this transcription or the PDF Sheet Music File of my original Piano Pieces. Thanks!

Download my PDF Transcription of the guitar solo
from LULU website.

Questa è la mia cover dell'assolo di chitarra di Another Brick in the Wall, pt.2 dei Pink Floyd. Il video è diviso in due parti, la prima è l'esecuzione dell'assolo su una base senza chitarra. La seconda è il playback dell'assolo su una base con la chitarra.

Originariamente avevo registrato il video usando come traccia guida la canzone originale. Il video è stato purtroppo bloccato per violazione di copyright. Purtroppo le basi con o senza chitarra non sono della stessa velocità dell'originale e quindi ci sono alcuni momenti in cui l'audio non è perfettamente sincronizzato con il video. Mi spiace.

Se hai risparmiato tempo e soldi imparando questa canzone grazie al mio lavoro, una piccola donazione sarebbe davvero lieta (cliccando il pulsante in alto nel menù a destra). Oltre a dimostrare apprezzamento mi aiuterebbe ad andare avanti e fare altri lavori musicali. In cambio invierò la trascrizione di questo brano o gli spartiti delle mie musiche originali. Grazie!

Scarica la mia trascrizione in PDF di questa Cover
dal sito LULU.

Dire Straits - Ride Across the River - Piano Cover

2011-09-24T18:45:00.000+02:00

La descrizione in italiano si trova in basso
subito dopo il video.

More then one year after my last Dire Straits' Cover, here I am with "Ride Across the River". This song has been a challenge for me. There are so many sounds that an "All Piano" version can't be so good as the original. Moreover, the use of the sustain pedal needs a lot of practice and I was a little lazy these days... :-)

The bass notes seldom need sustain or legato, while the chord in the right hand do. So I had to made very often a legato with fingers without using the pedal.

To play this song I used the original sheet music (you find it here or in the link below).

This is the Intro as I play it, the lines connect the guitar parts (sometimes played with the left hand sometimes with the right hand). This is a trick I used in order to play also the keyboard chords you can hear in the background:

I have completely transcribed the guitar solo. In this part I try to play so many instruments/voices as possible. The left hand makes accompaniment, bass notes and some keyboard chords, together with the right hand that also plays the solo. Here you see how some keyboard chords are played from both hands, first the left then the right:

Download my PDF Transcription of the guitar solo
from LULU website.

Dire Straits - Brothers in Arms By Dire Straits. Piano/Vocal/Guitar Artist Songbook. 56 pages. Published by Hal Leonard (HL.306118)
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Ecco una nuova cover dei Dire Straits dopo più di un anno da Sultans of Swing. Ho scelto "Ride Across the River" ed è stata una vera e propria sfida. Innanzitutto, ci sono così tanti suoni che è difficile renderli in una versione solo piano. In secondo luogo, l'uso del pedale è abbastanza complesso, visto che la sinistra non lo richiede quasi mai, mentre gli accordi della destra si. Così ho dovuto spesso aumentare la sonorità legando solo con le dita.

Ho eseguito questa cover basandomi sullo spartito originale (si trova qui o nel link in basso), ma ho modificato l'intro. La linea che si vede congiunge le note di chitarra che passano da una mano all'altra, dandomi la possibilità di suonare anche gli accordi che si sentono in sottofondo:

Ho trascritto completamente l'assolo di chitarra durante il quale tento di suonare più strumenti/voci possibili. La sinistra esegue accompagnamento, basso e alcuni accordi di tastiera, mentre la destra esegue i rimanenti accordi più le note della chitarra. Queste 2 battute mostrano come durante l'assolo alcuni accordi li suoni la sinistra e altri la destra.

Scarica la mia trascrizione in PDF dell'assolo di chitarra
dal sito LULU.

Dire Straits - Brothers in Arms By Dire Straits. Piano/Vocal/Guitar Artist Songbook. 56 pages. Published by Hal Leonard (HL.306118)
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Progressioni armoniche - brani con un accordo solo (parte I)

2011-09-17T19:22:00.000+02:00

[Post n.7] Abbiamo parlato nei post precedenti di diversi elementi teorici alla base della composizione di un brano di musica: le fonti di ispirazione, l'improvvisazione ecc.

Detto questo è ora di dedicarsi alla parte pratica. Ovvero: vogliamo comporre musica, quali sono le basi da cui partire?

In questo post e in alcuni successivi ci occuperemo quindi di progressioni armoniche e di sequenze di accordi.

Quando pensiamo alla composizione dell'armonia di un brano musicale, pensiamo alle sequenze di accordi che lo contraddistinguono. Che sia un brano strumentale, di accompagnamento, un pezzo rock o una colonna sonora, noi possiamo sempre scomporre lo spartito in diversi pezzi (ad esempio intro, strofa, ritornello, bridge, variazione ecc.) e ognuno di questi è caratterizzato da una sequenza di accordi che si alternano e/o si ripetono. In genere si tratta di sequenze leggermente diverse tra le varie parti, così l'ascoltatore è in grado di riconoscerle senza difficoltà. In questo modo ad esempio siamo tutti in grado di riconoscere il ritornello di un brano di musica leggera anche se lo ascoltiamo solo per la prima volta.

L'esempio seguente mostrerà invece l'esecuzione di un breve brano per pianoforte, basato solo su un accordo. Questa piccola composizione ci serve per sottolineare due cose. La prima è che nonostante quello che abbiamo detto finora, anche mancando una sequenza ordinata di accordi siamo in grado di scomporre un pezzo in varie parti e di riconoscerle senza alcuno sforzo. Ascoltando questa piccola composizione si è facilmente in grado di riconoscere due parti, come se fossero strofa e ritornello. Eppure non c'è nessun cambio di accordo. Alla fine troverete anche una sorta di outro o coda. Anche in questo caso l'accordo resta sempre lo stesso.

In secondo luogo, sarà altresì chiaro che una composizione di questo tipo ha dei limiti evidenti: ci costringe ad usare determinate note soltanto, circoscrive la possibilità di combinare suoni e accordi. Ciò lascia nell'ascoltatore una sensazione di incompletezza, una sorta di incompiuto o di vuoto musicale.

Ecco come è possibile realizzare una musica con un solo accordo, in questo caso RE maggiore. Ascoltando verificherete quello che ho detto finora (possibilità di riconoscere comunque le parti del brano, ma anche eccessiva ripetitività e sterilità dello stesso).

Nel prossimo post mi occuperò delle progressioni armoniche semplici, quelle che prevedono l'alternanza di soli due accordi. Scopriremo come moltissimi brani di successo non sono basati altro che su questo. Per il momento per chi volesse esercitarsi a comporre un piccolo pezzo consiglio di provare a improvvisare una melodia basandosi su un solo accordo, senza mai cambiarlo.

Di seguito anche la trascrizione di questo piccolo pezzo:

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Chord Progressions - One Chord Songs (part I)

2011-09-16T23:44:00.000+02:00

[Post # 7] In previous posts we talked about some different theory issues behind the composition of a song: the sources of inspiration, improvisation, etc…
That said, now it is time for practising: we want to compose music: where do we start?
In this and in the following posts we will see some chord progressions and chord sequences.

When we think about the harmony of a composition, we think at the chord sequences on which the music is built. It does not matter if we have an instrumental track, a rock song or a soundtrack: each music can be split it into several parts (e.g. intro, verse, chorus, bridge, etc.). Each part usually has its own sequence of chords and each sequence is slightly different from the others, so that the listener can easily recognize the parts. Thus, for example, we are all able to recognize the refrain of a pop music song even if hear it for the first time.

The following example will show a short piece for piano, based only on one chord. I use this small composition to emphasize two things. The first one is that, despite what we have said so far, even in the absence of an ordered sequence of chords we are able to separate the piece into several parts and to recognize them without any effort. Listening to this small composition you should be able to recognize two parts, as if they were verse and chorus. Yet there is no chord change. At the end you will also find a sort of coda or outro, but the chord still remains the same.
Secondly, by listening this song, will also be clear that a one chord composition has obvious limitations: it forces us to use only certain notes and limits the possibility of combining sounds and arrangements. This gives the listener a strange feeling, something like incompleteness, a kind of musical emptiness. The music sounds unfinished.

Here's how you can make music with one accord, in this case D major. Listening to the song you will verify what I have said so far (it is still possible to recognize the parts of the song, but there is a feeling of unfinished and too much repetition).

In the next post I will talk about simple harmonic progressions, those that alternate only two chords. We will discover that a large number of music hits are just based on simple chord progressions. For the moment, I invite those who want to start the composition of a song to try to improvise a melody based on a single chord.

Here the scores of this song:

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Michael Jackson & Paul McCartney - Say, Say, Say - Piano Cover

2011-09-05T22:29:00.001+02:00

La descrizione in italiano si trova in basso
subito dopo il video.

This is my complete cover of "Say, Say, Say", by Michael Jackson and Paul McCartney. I can still remember my father singing this song when I was young, so when I listened it after so many years I decided to make a cover, just to remember that moments.

To play the song I used the official sheet music. What I completely changed is the solo part, the interlude played by winds. My left hand makes a big work, playing chords and bass notes simultaneously. During the verses the left hand plays root notes (Bb and/or Eb) each eights and the right hand plays the chords/melody. During the solo I alternate chords and bass with the left hand and I play the winds with the right hand. Below my transcription.

If my work helped you to save time and money learning this Song I would really appreciate if you would think about making a small donation (right sidebar menu button), in exchange I could send you a piano transcription of mine or my original composition at your choice.

Number Ones (Piano/Vocal/Chords). By Michael Jackson. For voice, piano and guitar (chords only). This edition: Piano/Vocal/Chords. Personality Book; Piano/Vocal/Chords. Pop Rock and Pop. Difficulty: medium. Songbook. Vocal melody, lyrics, piano accompaniment, chord names, guitar chord diagrams and color photos. 127 pages. Published by Alfred Music Publishing (AP.PFM0407)
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Questa è la mia cover integrale di Say, Say, Say di Michael Jackson e Paul McCartney. Ricordo ancora quando mio padre cantava questa canzone quando io ero bambino così ora che l'ho riascoltata dopo tanti anni, ho deciso di registrarla per rivivere quei momenti.

Per imparare questo brano ho usato lo spartito ufficiale. Quello che ho cambiato è la parte dell'assolo di fiati, l'interludio al centro del brano. La mia mano sinistra fa qui un lavoro impegnativo perché suona accordi e basso simultaneamente. Durante le strofe la mano sinistra suona le note fondamentali degli accordi (Sib e Mib) su ogni croma della battuta, mentre la destra suona gli accordi/melodia. Durante l'assolo io invece alterno con la sinistra gli accordi prima suonati con la destra e le note del basso, mentre la destra suona la parte dei fiati. Questa è la trascrizione di quello che suono:

Se grazie a questo piccolo aiuto avete risparmiato tempo e denaro per imparare questo brano sarebbe bello se pensaste a fare una piccola donazione (menu in alto a destra) riceverete in cambio un'altra mia trascrizione oppure una mia composizione originale a scelta. Grazie.

Bryan Adams - Straight from the Heart - Piano Cover

2011-07-24T20:16:00.003+02:00

La descrizione in italiano si trova in basso
subito dopo il video.

This is my complete cover of "Straight from the Heart", famous and beautiful ballad by Bryan Adams. I played and transcribed the complete Song.

It is a very easy and relaxing song except for the interlude in the middle where different instruments play together and I have to use my 2 hands in a pretty complicated way. Starting from minute 2'07'' left and right hand jump over the octaves and the right hand plays two times notes going over the left hand (bars 28-38). In this case my transcription says m.s. (if you have to play the notes with the left hand) and m.d. (if you have to play the notes with the right hand). The picture below tries to make things easier. Where it could be confusing the left hands notes are painted in green and the right hand notes are painted in red. Remaining notes are played as usual:

If you find this transcription too complicated this is an easy version of the above interlude:

If you want a very simple solution you can use this one:

If my work helped you to save time and money learning this Song I would really appreciate if you would think about making a small donation (right sidebar menu button), in exchange I will send you this transcription in PDF or the scores of my original compositions. Thanks!

Download my PDF Sheet Music transcription of this cover
from LULU website or browse Bryan Adams Songbooks.

Anthology (P/V/G). By Bryan Adams. For voice, piano and guitar chords. Piano/Vocal/Guitar Artist Songbook. Pop Rock and Adult Contemporary. Difficulty: medium. Songbook. Vocal melody, piano accompaniment, lyrics, chord names and guitar chord diagrams. 128 pages. Published by Hal Leonard (HL.306422)
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Ecco la mia cover di "Straight from the Heart", un lento famoso e orecchiabile di Bryan Adams. Ho suonato e trascritto l'intera canzone.

Si tratta di un brano abbastanza facile da suonare tranne per l'interludio dopo il secondo ritornello (inizia al minuto 2'07''). A questo punto infatti le mani si spostano su ottave lontane e 2 volte la destra suona passando sopra la sinistra.
Nella trascrizione sono indicati m.s. e m.d. rispettivamente dove bisogna usare la sinistra e la destra quando ciò potrebbe causare una certa confusione. La seguente immagine cerca di semplificare le cose. Nei punti più complessi ho indicato in verde le note suonate dalla mano sinistra e in rosso quelle suonate dalla mano destra. Tutte le altre note si suonano normalmente seguendo la partitura:

Qualora questa trascrizione fosse troppo complessa, ecco di seguito una versione intermedia:

Di seguito infine una versione molto semplice di questo interludio:

Se grazie a questo piccolo aiuto avete risparmiato tempo e denaro per imparare questo brano sarebbe bello se pensaste a fare una piccola donazione (menu in alto a destra) riceverete in cambio questa trascrizione in pdf.

Altrimenti potete scaricare la trascrizione direttamente dal
sito LULU o cercare altri spartiti di Bryan Adams.

Il declino di Myspace e l'attesa di un vero sito per musicisti

2011-07-06T23:10:00.002+02:00

La notizia è recente e fa il giro del mondo.

Il sito Myspace perde un sacco di soldi ed è in vendita. Questo più o meno si sapeva già da tempo, solo che fa notizia il fatto che l'acquirente, una società finora ignota ai più, sborserà 35 milioni di dollari, ovvero una ridicolaggine rispetto ai 580 milioni che la News Corp. di Murdoch ha pagato nel 2005 per il sito e ben al di sotto dei 100 milioni di dollari che aveva chiesto all'inizio per la vendita.

Tutti dicono: colpa di Facebook se Myspace è in crisi. Gli utenti si riversano sul primo, che diventa una macchina da soldi, e il secondo perde appeal. Restano però pur sempre 35 milioni di utenti di Myspace che non sono affatto pochi e che a qualcosa pur serviranno.

Onestamente non sono mai stato un amante di Myspace, perché a mio avviso è sempre stato un finto sito per musicisti. Un sito che ha fatto poco per migliorarsi fino a perdersi, a rinunciare alla sua identità, alla sua vocazione.

Certo c'è un bel music player è vero. Ma poi?

Al giorno d'oggi un musicista deve farsi un canale su youtube per pubblicare video, uno su Myspace per pubblicare audio, uno su facebook per farsi pubblicità e trovare consensi, uno su un qualsiasi sito di publishing per vendere spartiti o le proprie composizioni.

Ecco, nessuno su Myspace ha pensato che un sito che integri e interagisca al 100% con gli altri di cui sopra sia quello che manca e che cercano i musicisti? Un sito dove inglobare i propri video, anche se caricati su youtube. Un sito dove far ascoltare la propria musica, dove poter pubblicare e vendere spartiti o mp3 ecc.

Se si riuscissero a coinvolgere anche case discografiche grandi e piccole il lavoro sarebbe completo. Si potrebbe eleggere l'artista del mese, la canzone del mese, dell'anno ecc. Qualsiasi cosa per dare visibilità e qualche soddisfazione agli utenti sarebbe indirettamente anche un modo per attirare l'attenzione del mondo esterno. Questa si traduce a sua volta in click, pubblicità, soldi ecc.

A mio avviso questo è il problema. Myspace non è stata mai una vera vetrina a 360 gradi per un musicista, il quale si è sempre dovuto servire anche di altri canali per promuoversi, fino in via estrema ad usare così tanto i siti alternativi da abbandonare Myspace stesso.

The fall of Myspace, waiting for a real site for musicians

2011-07-06T22:00:00.004+02:00

News Corp. is selling Myspace. Everybody heard this.

But the very news is that an unknown company is going to pay "only" 35 million dollars to buy the site. Only a couple of nuts if compared with 580 million paid from News Corp. in 2005.

Everybody says: Myspace is falling? The reason is the success of Facebook. The second one grows and makes money, while Myspace is losing appeal. All right, but what can we do with 35 million users of Myspace? I repeat: 35 million users...I can't believe nobody thought that this is a huge amount of members.

Honestly I have never been a Myspace fan. Well, there is a very nice music player, and...hm and then? Since years not much innovation, always the same things.

Nowadays a musician needs a youtube account to upload its videos, a Myspace account to upload audio files, a facebook account to get fans, a publisher account to sell scores and mp3 and so on...

Well, nobody in Myspace thought that a place where to join and embed all this things is exactly what musicians need. Embed videos, play audio files, sell scores etc. Everything in just one site.

If they could also convince talent scouts, majors, publishers, etc to look regularly at the sites and choose the Myspace song of the month, the artist of the year or something similar, they will reach the goal. They would give visibility to musicians and to the site. They would capture users, views, clicks, advertiser, money etc.

This is the problem. Myspace has never been a real site for musicians. A musician needs to many other sites to promote himself. And when one or more of them work, he will leave Myspace.

Herbert Grönemeyer - Mensch - Klavier Cover

2011-06-23T11:24:00.003+02:00

For English please scroll down
soon after the video

La descrizione in italiano si trova in basso
subito dopo il video

Das ist ein schönes Lied mit einem sehr schönen Text. Ich habe es für Klavier Solo interpretiert und einiges geändert bzw. für Klavier neu geschrieben.

Gleich nach dem Intro gibt es einen Takt wo jede Note schnell und zweimal gespielt sein muss (dieser Takt wiederholt sich auch in der Mitte des Liedes nach dem Interludium), hier muss man rechte und linke Hand wechseln:

In dem Refrain habe ich die Melodie (bzw. der Gesang) gespielt und auch eine extra Begleitung um die Pausen zu füllen. Wenn zu schwierig zu spielen kann man diese Begleitung einfach löschen, hier ein Beispiel:

Hier kann man meine Klaviertranskription runterladen.
Viel Spaß beim Spielen.

This is my Piano Cover of this nice song by the German Songwriter Herbert Grönemeyer.
In the following bar you must play the notes with right and left hand:

La mia cover di una canzone tedesca scritta dal cantautore Herbert Grönemeyer. La seguente battuta va suonata alternando la mano destra (R) a quella sinistra (L):

I added an accompaniment to the melody in the chorus. If to complicated to play you can remove it. Here an example:

Nel ritornello ho aggiunto alla melodia anche un accompagnamento che si può eliminare se è troppo complicato da suonare. Ecco un esempio:

Download my PDF piano transcription of this cover
from LULU website.

Scarica la mia trascrizione per piano di questa cover
dal sito LULU.

Sara Smile - Hall & Oates - Piano Cover

2011-06-04T11:00:00.002+02:00

La descrizione in italiano si trova in basso
subito dopo il video.

This is my Piano Cover of "Sara Smile" by Hall & Oates. To play this song I used the original scores adding some notes with the right hand that follows the singing.

The intro I played is more similar to the original song and is a little different from the copyrighted scores:

The original scores also miss an orchestra interlude (it starts in my cover at minute 2'13''). This is its transcription:

If you enjoyed listening my music or appreciate my work, please consider to make a donation (right sidebar menu button), if you wish you will receive in exchange the PDF Sheet Music File of my original Piano Pieces. Thanks!

Questa è la mia cover di "Sara Smile", splendido brano di Hall &Oates. Ho eseguito questa cover seguendo lo spartito originale, al quale ho apportato alcune modifiche. Innanzitutto ho aggiunto alla mano destra alcune note quasi improvvisate di accompagnamento al canto.

In secondo luogo ho riscritto l'introduzione perché lo spartito originale non è molto fedele:

Infine ho trascritto l'interludio di orchestra che nella mia cover inizia al minuto 2'13'' e che manca nello spartito originale:

Se la mia musica è stata di Vostro gradimento o se almeno avete apprezzato il mio lavoro, potete fare una piccola donazione (cliccando il pulsante nel menù a destra) e se lo desiderate riceverete in cambio gli spartiti delle mie musiche originali in formato PDF. Grazie!

Ambulances - Institute - Piano Cover

2011-06-03T11:00:00.017+02:00

La descrizione in italiano si trova in basso
subito dopo il video.

This is my piano cover of "Ambulances" a ballad played by the band Institute and written by Gavin Rossdale. I have transcribed the whole song from the intro until the end.

I want just to point out 2 things.

1) "There are only so many ambulances..."

This is what I play the second time (the first time I play it one octave lower) when this part of the song comes:

You should hold the red notes, both with right and left hand. Listening to my cover, you should be able to hear the right hand red notes in background. If you listen to the original song this notes are played by the electric guitar.

Holding the left hand red notes has just an harmonic function, these are the root notes.

2) "Not trying to kill you..."

For this part let the sustain pedal help you. The red notes must be played "forte" and "staccato" and must be "sustained" until the end of the bars, while the other notes are played in background.

If you enjoyed listening my music or appreciate my work, please consider to make a donation (right sidebar menu button), you will receive in exchange this transcription or the PDF Sheet Music File of my original Piano Pieces. Thanks!

Download my PDF Sheet Music transcription of this Piano Cover
from LULU website.

Questa è la mia cover per pianoforte di "Ambulances" un lento degli Institute scritto da Gavin Rossdale. Ho trascritto il brano integralmente.

Due cose vorrei sottolineare.

1) "There are only so many ambulances..."

Di seguito alcune battute come le suono io quando inizia questa parte (la prima volta le suono un'ottava in basso). Le note segnate in rosso vanno tenute per tutta la battuta. Quelle inserite per la mano destra si dovrebbero sentire in sottofondo, nel brano originale sono suonate dalla chitarra elettrica.

Le note in rosso della mano sinistra hanno solo una funzione armonica in quanto sono le note fondamentali degli accordi.

2) "Not trying to kill you..."

Questa parte va suonata usando molto il pedale. Le note in rosso vanno suonate "forte" e "staccato", e con l'aiuto del pedale vanno tenute per tutta la battuta, mentre le rimanenti note vanno suonate in sottofondo.

Se la mia musica è stata di Vostro gradimento o se almeno avete apprezzato il mio lavoro, potete fare una piccola donazione (cliccando il pulsante nel menù a destra) e riceverete in cambio questa trascrizione oppure gli spartiti delle mie musiche originali in formato PDF. Grazie!

Scarica la mia trascrizione di questa Cover
dal sito LULU.

Lately - Stevie Wonder - Piano Cover

2011-06-02T12:11:00.005+02:00

La descrizione in italiano si trova in basso
subito dopo il video.

This is my Piano Cover of "Lately", by Stevie Wonder. To play this song I have used the original scores that you can find here. The Intro has been transcribed exactly as I play it, as the original scores are not really similar to what Stevie Wonder plays. For the rest of the song I have only written the chord position (and notes) I choose. You must play them this way:

Instead of pushing all notes together standing still until the next chord comes, you push the chord and then its single notes (from the lower to the higher, i.e. an arpeggio...) until you are on the next chord.

This is the same way I played the song Whereabouts by Stevie Wonder.

Download my PDF Sheet Music transcription of this Piano Cover
from LULU website.

The Stevie Wonder Anthology By Stevie Wonder. For voice, piano and guitar (chords only). Piano/Vocal/Guitar Artist Songbook. Smooth Soul, Classic Soul and Pop Rock. Difficulty: medium. Songbook. Vocal melody, piano accompaniment, lyrics, chord names, guitar chord diagrams and discography. 368 pages. Published by Hal Leonard (HL.306447)
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Ecco la mia trascrizione di Lately di Stevie Wonder. Per l'esecuzione di questo brano ho usato lo spartito originale che si trova qui. Ho modificato però l'Intro rispetto alla partitura originale in quanto non mi sembrava molto simile alla versione che suona Stevie Wonder. Per il resto della canzone ho scritto solo gli accordi con le note e le posizioni che io stesso suono. Per eseguirli come ho fatto io basta premere l'accordo indicato e poi risuonare tutte le note dalla più bassa alla più alta (fare un arpeggio) fino ad arrivare all'accordo successivo.

Questa è la stessa tecnica con cui ho suonato Whereabouts sempre di Stevie Wonder.

Playing bottles - Suonare bottiglie

2011-05-14T00:41:00.001+02:00

This is a funny way to make music.
It was surely a big work. Well done, guys!

Un modo di fare musica simpatico e originale. Sicuramente tantissimo lavoro di preparazione alle spalle. Complimenti!

Changing Plans - Original Composition for Piano

2011-03-23T20:49:00.041+01:00

La descrizione in italiano si trova in basso
subito dopo il video.

Piano Piece easy to play and to listen. It belongs to my collection of Original Easy Listening Piano Pieces "Landscapes Vol.3". The idea behind these Pieces is to make relaxing music that everybody can play. You find my original scores here. Thanks for your support.

During the whole song I played the same chord progression in loop, even the melody is repeated but every time in a different way. If you put attention on this song, you should hear the main them always in the background (with some variations). Here an example, the upper stuffs are the melody that starts at minute 1'25'' and the lower stuffs are played at minute 1'50''. As you can see some notes of the melody are put in the same position (on different octaves). I marked this notes in green.

The left hand plays exactly the same accompaniment and I put in red the notes you should stress. The whole bass accompaniment has some notes that you have to put in evidence. In my transcription you find a _ under this notes.

If you enjoyed listening my music or appreciate my work, please consider to make a donation (right sidebar menu button), if you wish, you will receive in exchange the PDF Sheet Music File of this Piano Piece. Thanks!

Learn To Compose And Notate Music - Beginning Level (By Lee Evans and Martha Baker). Evans Piano Education. 24 pages. Published by Hal Leonard (HL.9072)
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Brano orecchiabile e di esecuzione non complicata che fa parte della collezione di Brani Originali per Pianoforte "Paesaggi Vol.3". L'idea è quella di realizzare musiche gradevoli e non complesse che possono suonare tutti. Qui si trovano gli spartiti, grazie per il supporto.

Questo brano è basato su una sequenza di 4 accordi che si ripete costantemente. Persino la melodia si ripete ma con alcune variazioni. Prestando attenzione a questa musica la melodia si può sentire quasi sempre in sottofondo. Nell'esempio di seguito la battuta indicata nella parte superiore è quella che suono nel video al minuto 1'25''. La battuta della parte inferiore è quella che suono al minuto 1'50''. Come si nota,la maggior parte delle note della melodia si trovano nella stessa posizione (anche se su ottave diverse). Queste note sono indicate in verde.

La mano sinistra suona in questo caso esattamente lo stesso accompagnamento, ho indicato in rosso le note da accentare. Nella partitura trovate un _ sotto le note da accentare.

Se la mia musica è stata di Vostro gradimento o se almeno avete apprezzato il mio lavoro, potete fare una piccola donazione (cliccando il pulsante nel menù in alto a destra) e riceverete in cambio, se li desiderate, lo spartito di questa musica in formato PDF. Grazie!

Learn To Compose And Notate Music - Beginning Level (By Lee Evans and Martha Baker). Evans Piano Education. 24 pages. Published by Hal Leonard (HL.9072)
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Composizione: alcuni brevi consigli

2011-03-17T00:35:00.002+01:00

[Post n.6] Prima di passare ad alcuni esempi di sequenze di accordi e progressioni armoniche ecco alcuni brevi consigli per chi si accinge a comporre musica.

1) Date ai vostri brani sempre un'organizzazione. Più avanti approfondirò questo tema. Per ora basterà sottolineare che l'organizzazione in musica è fondamentale. Aiuta l'ascoltatore ad orientarsi, dimostra che il pezzo è stato studiato e composto con un certo criterio. Come un compositore di musica pop alternerà strofe a ritornello, così gli altri generi musicali vedono l'alternanza di diversi temi in un pezzo. Il modo in cui questi si combinano o combattono tra di loro per avere il sopravvento è scelta precisa del compositore, che appunto "organizza" i brani.

Personalmente quando penso ad un pezzo easy listening per piano la struttura che preferisco è A - B - A. Dove A sta per "primo tema" e B per "secondo tema".

2) Usate le ripetizioni. Ma senza esagerare. Ripetere troppo può annoiare. Ripetere aggiungendo piccole variazioni, note di abbellimento può essere una buona soluzione. Si possono alternare due temi integralmente oppure si può ripetere anche solo una parte di essi. Anche in questo caso la scelta dipende dal compositore. Io uso spesso anche gli schemi A - B - B - A oppure A - B - A - B o ancora A - B - A' (ovvero primo tema leggermente variato).

3) Evitate un mix di troppi temi spezzettati, incompleti, non sviluppati pienamente. A meno che non sia questo il vostro fine compositivo, ovvero creare un collage indefinito di piccoli temi solitari, cosa che eviterei all'inizio e direi sarebbe meglio lasciare a compositori più esperti. Genericamente possiamo dire che 2 massimo 3 temi sono più che sufficienti per una composizione finita.

4) Evitate brani eccessivamente lunghi. L'eccessiva lunghezza può dipendere dal fatto che esagerate in ripetizioni (vedi punto 2) oppure che ci sono troppi temi diversi (vedi punto 3). In questo caso disorientate l'ascoltatore, perdete la sua attenzione, non lo invogliate a risentire il brano. Naturalmente ci sono tante eccezioni, ma lasciamole per il momento stare. Noi siamo compositori in erba. Diciamo che sono sufficienti 3 minuti e mezzo, massimo 4 minuti per dare modo ad un brano di esprimersi pienamente.

5) Evitate l'eccessiva complessità. Questo è un errore diffusissimo. Per sorprendere il pubblico, per impressionare gli ascoltatori si punta su velocità e sofisticatezza, pensando che siano la chiave per il successo di un brano. Sbagliato. È il contrario. Semplicità, chiarezza, capacità di suscitare emozioni nell'ascoltatore sono molto più importanti.

6) Concedete alla vostra creatività il tempo che essa richiede. Non abbiate fretta di trovare l'ispirazione. Comporre richiede tempo. Non solo il tempo necessario per creare le varie sezioni del brano, ma per organizzarlo, per correggerlo, affinarlo, perfezionarlo, modificarlo (se necessario) e completarlo. Certe composizioni possono restare nel cassetto per anni prima di essere completate.

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Composing music: some advices

2011-03-15T22:47:00.001+01:00

[Post # 6] Before making some examples of sequences of chords and chord progressions here there are some brief tips for those who want to compose music.

1) Give your compositions always an organization. Later I will go deeper into this issue. For now is enough to say that the organization is essential in music. It helps the listener to orient themselves, it shows that the piece is studied and composed with a certain criterion. As a pop music composer alternate verses and chorus, so in other types of music there is the alternation of different themes in one piece. The way these themes are combined, or fight each other for being predominant in the piece is precise choice of the composer, who "organizes" the songs.

Personally, when I think of an easy listening piece for piano, I prefer is the structure A - B - A. Where A means "first theme" and B "second theme."

2) Use repetitions. But do not overdo with them. Too many repetitions can bore the listeners. Repeating by adding small changes and ornaments can be a good solution. You can switch between two themes repeated in full or you can repeat just part of them. Once again the choice depends only on the composer. I often use also structures like A - B - B - A or A - B - A - B, or A - B - A' (i.e. first theme slightly varied).

3) Do not mix too many fragmented, incomplete, or not fully developed themes. Unless this is the purpose of your composition: to create a collage of indefinite solitary small themes (which I would avoid at the beginning, it should be better left to advanced composers). Generally we can say that 2 up to 3 themes are more than sufficient for a composition.

4) Avoid excessively lenght. The excessive length may depend on too many repetitions (see point 2) or on too many different themes (see point 3). In this case the listener can be confused, you could lose his attention, he won't be listening the song again. Of course there are many exceptions, but let's leave them for now. We are aspiring composers. Let's say that 3 ½ minutes, maximum 4 minutes are sufficient.

5) Avoid excessive complexity. This is a popular mistake. To surprise the audience and to impress the listeners many composers use speed and sophistication, thinking that these are the key to the success of a song. That's wrong. It is the opposite. Simplicity, clarity, ability to provoke emotions are much more important.

6) Give your creativity the time it requires to find inspiration. Composing music takes a lot of time. Not only the time required to create the various sections of the piece, but also the time to organize it, to correct it, to refine it, to modify it (if necessary) and complete it. A composition may remain unfinished for years.

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Comporre allo strumento e lontani dallo strumento

2011-03-12T16:04:00.001+01:00

[Post n.5] Probabilmente a molti già il titolo di questo post sembrerà strano. Comporre lontani dallo strumento? Com'è possibile? In realtà in questa affermazione non c'è nulla di inverosimile. La maggior parte dei compositori alterna la composizione allo strumento alla composizione lontano dallo strumento, anche se poi ognuno preferisce una delle due possibilità o si crea il proprio mix personalizzato.

Comporre allo strumento è la soluzione più comune. Ci si siede al piano, si imbraccia la chitarra e si inizia a provare qualcosa, a improvvisare o a riprodurre allo strumento un motivo che abbiamo sviluppato in testa. Ed ecco qui la composizione non allo strumento: il motivo lo avevamo in testa.

Come ci sia arrivato è un altro discorso. Potremmo averlo sentito in strada o alla radio e potremmo poi averlo modificato e personalizzato fino a memorizzarlo. Potremmo averlo creato in precedenza mentre strimpellavamo qualcosa. Le possibilità sono tante.

Immaginiamo queste due situazioni tipiche. Abbiamo composto allo strumento un breve spezzone del nostro prossimo brano. Lontani dallo strumento ripetiamo in testa il motivo, cercando variazioni, provando a esplorare alternative, cercando di svilupparlo. Ci viene qualche idea, un'intuizione. Quando torniamo allo strumento proviamo a mettere in pratica, a testare quando avevamo creato lontani dalle note reali.

Anche il contrario è possibile. Componiamo in mente un motivo e lo ripetiamo in testa, cercando variazioni, provando a esplorare alternative, cercando di svilupparlo. Allo strumento proviamo a mettere in pratica, a testare quando avevamo creato lontani dalle note reali.

Se io scrivo ora TA - TA - TI - TU - TA - TA - TA ognuno leggerebbe questo motivo in modo diverso. Darebbe un suo ritmo, tempo e ovviamente nome a valore diverso alle sillabe che sul pentagramma diventeranno note. Questa è una forma primitiva di composizione lontani dallo strumento.

Comporre allo strumento ha il vantaggio di darci un contatto diretto con il suono. Abbiamo quindi la possibilità di testare immediatamente il nostro materiale compositivo e le nostre idee. Possiamo subito verificare fattibilità e gradimento. Ma la composizione allo strumento si scontra con i nostri limiti tecnici. Potremmo non essere in grado di eseguire quello che vorremmo comporre.

Comporre lontani dallo strumento può essere un modo per estendere la nostra immaginazione musicale, uscire dai limiti dello strumento, permetterci di creare una miscela tra quello che creiamo quando siamo al nostro strumento e le emozioni che proviamo nella vita quando siamo lontani da esso.

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Composing at the instrument or away from it

2011-03-12T12:21:00.001+01:00

[Post # 5] Probably many persons may find even the title of this post very strange. Composing away from the instrument? How is it possible? However, there is nothing improbable in this statement . Most of the composers alternates the composition at the instrument to the composition away from the instrument, even if everyone prefers one of the two possibilities, or create his own custom mix.

Composing at the instrument is the most common way of composing. You sit at the piano or take the guitar and start to try something, to improvise, or to play at the instrument what you have created in your head. And here you find the composition away from the instrument: you had the notes in mind.

How they came there, is another story. We could have heard the notes on the street or on the radio, and we could have edited them and customized until we saved them in mind. We could have created a melody while strumming something around. There are many possibilities.

Let's imagine these two typical situations. We composed at the instrument a short piece of our next song. Away from the instrument we repeat the melody in our head, looking for some changes, trying to explore alternatives, trying to develop it. When we return to the instrument we try to put all of this into practice, to test what we created far from the real notes.

The opposite is also possible. We compose a melody in our mind and we repeat it in our head, trying variations, trying to explore alternatives, trying to develop it. At the instrument we try to put all of this into practice, to test what we created far from the real notes.

If I am writing now TA - TA - TI - TU - TA - TA - TA everyone would read it differently. Everyone would give his rhythm, time, name and duration to this syllables that will became notes on the staff. This is a primitive form of composition away from the instrument.

Composing at the instrument has the advantage of giving us a direct contact with the sound. We can then immediately test our ideas and our composition material. We can immediately verify its feasibility and acceptance. But this kind of composition collides with our technical limitations. We may not be able to play what we want to compose.

Composing away from the instrument can be a way to extend our musical imagination, going out from the instrument, allowing us to create a mix between what we create when we are at our instrument and the emotions we feel in life when we are far from it.

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Improvvisazione, teoria e composizione

2011-02-27T21:43:00.002+01:00

[Post n.4] Questo post inizia sfatando una credenza diffusa: l'improvvisazione appartiene alla musica jazz. Secondo questo luogo comune, sono i musicisti jazz gli unici in grado di suonare istantaneamente "improvvisando", agli altri musicisti serve per forza uno spartito sotto al naso per eseguire una musica. Certamente il jazz ha fatto dell'improvvisazione uno dei suoi caratteri distintivi, ma affermazioni così drastiche si scontrano palesemente con il fatto che è storicamente noto che musicisti "classici" come Bach, Mozart, Chopin, List e molti altri erano tutti improvvisatori dalle doti straordinarie.

Si narra che Bach avesse raggiunto una tale padronanza del del contrappunto da poter improvvisare una fuga a più voci. Si racconta altresì che Chopin, colto da indisposizione, piuttosto che annullare un concerto avesse deciso di trasformare il programma che doveva eseguire in una unica immensa improvvisazione, conclusasi con un applauso trionfale.

Quando si parla di composizione, improvvisazione e teoria sono elementi strettamente collegati.

Anche chi improvvisa jazz conosce la teoria. Chi improvvisa lo fa seguendo regole o rompendo sistematicamente tali regole, o ancora alternando tradizione (regole) a innovazione (violazione delle regole). Non è necessario conoscere tutta la teoria musicale, l'armonia, il contrappunto. Possono bastare anche solo le nozioni base.

Si può improvvisare seguendo la teoria, ma è anche possibile partire dalla teoria per arrivare all'improvvisazione. In questo caso si possono usare cadenze, sequenze armoniche standard, pattern melodici e molti altri elementi teorici. Partendo da qui si può costruire un brano compiuto improvvisando, l'unico ingrediente che serve è un po' di creatività.

Possiamo dire allora che alla base della composizione vi è un mix di improvvisazione, teoria e creatività.

Sbaglia chi sostiene che per comporre basta saper solo improvvisare. Sbaglia anche chi sostiene che una solida e ampia competenza teorica possa compensare il non sapere improvvisare.

Improvvisazione e teoria camminano insieme. L'improvvisazione vi da un tema, la teoria vi aiuta a modificarlo, a svilupparlo, a farne una musica. La teoria vi suggerisce una sequenza naturale di accordi. L'improvvisazione vi aiuta a variarla, a personalizzarla, a trovare una melodia adatta.

Alla base di ciò ci sono ispirazione e creatività. La prima da il via alla composizione, la seconda conduce al suo sviluppo e perfezionamento.

Consiglio a chiunque decida di comporre musica di imparare la teoria. Almeno quella base. Bisogna vincere la riluttanza ad aprire i libri, a studiare. Imparare le scale, gli intervalli, le cadenze, saper modulare, anche ad un livello elementare potrà alla fine essere l'elemento distintivo tra un compositore ordinato e un compositore fallace. Anche se entrambi nel mondo moderno corrono il rischio di restare nell'anonimato.

Consiglio a chiunque decida di comporre musica di imparare a improvvisare. Esercitarsi e provare molto, anche ad un livello elementare. Bisogna vincere il desiderio del tutto subito, dell'eseguire subito "al volo" un brano di musica, dell'imparare in mezza giornata un pezzo sapendoci improvvisare subito sopra alla perfezione. Tutto ciò è possibile, certamente, ma sono qualità riservate ad artisti dalle doti straordinarie, fuori dal comune. Saper ben improvvisare potrà alla fine essere l'elemento distintivo tra un musicista creativo o un musicista banale. Anche se entrambi nel mondo moderno corrono il rischio di restare nell'anonimato.

In precedenza abbiamo parlato delle fonti di ispirazione del musicista, ora abbiamo visto che serve un giusto mix tra improvvisazione e teoria per poter comporre.

Tutto ciò sarà ancora più vero nel prossimo post il quale parlerà della composizione allo strumento e della composizione non allo strumento. Per quest'ultima infatti è assolutamente necessaria la conoscenza della teoria piuttosto che l'improvvisazione, venendo a mancare la sua stessa materia prima, ovvero uno strumento da suonare.

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Improvisation, theory and composition

2011-02-27T18:56:00.003+01:00

[Post # 4] This post begins debunking a common belief: improvisation belongs only to jazz music. According to this common belief, only jazz musicians can play instantly "jamming", all other musicians need a score below the nose to make music. Certainly jazz music made of improvisation one of its distinguishing features, but such drastic statements clearly crash with the fact that it is historically known that "classical" musicians like Bach, Mozart, Chopin, List, and many others were improvisers with extraordinary gifts.

It is said that Bach had achieved such a mastery in counterpoint to be able to improvise a fugue with several voices. It is said also that Chopin, seized by illness, rather than cancel a gig decided to turn the concert program into one immense improvisation, which ended with a triumphal applause.

When it comes to composition, improvisation and theory are closely connected.

Even jazz players know the theory. Who improvises makes music following some rules, breaking those rules systematically, or alternating tradition (rules) to innovation (violation of rules). It is not necessary to know all music theory, harmony, counterpoint. Just the basics can be enough.

You can improvise knowing the theory, but it is also possible to go from theory to improvisation. In this case you can use cadences, harmonic sequences, standard melodic patterns and many other rules. From here you can build a song improvising, the only ingredient you need is a bit of creativity.

We can say then, that the the base composition is a mix of improvisation, theory and creativity.

Those who say that "it is enough to be able to improvise to compose music", are wrong. Even those who argue that "a solid and broad theoretical competence can compensate for not being able to improvise", are wrong.

Improvisation and theory go together. Improvisation can give us a theme, the theory helps us to change it, develop it, to make it a music. The theory suggests a natural sequence of chords. Improvisation helps us to change it, to personalize it, to find a suitable melody.

At the very base of this process there are inspiration and creativity. The first launches the composition, the second leads to its development and refinement.

I recommend to anyone who decides to make music to learn theory. At least the basis theory. We must win the reluctance to open books, to study. To learn scales, intervals, cadences, how to modulate, even at an elementary level, could be the distinction key between a good composer and a bad composer. Even if in modern world both run the risk of remaining anonymous.

I recommend to anyone who decides to compose music to learn to improvise. Practice and try a lot, even at an elementary level. We must win the desire of having everything at once, of playing a piece immediately "on the fly", of leaning perfectly a music in half-day. All this is possible, of course, but this is reserved to artists with extraordinary gifts. To know how to improvise could be the distinction key between a creative musician or a trivial musician. Even if in modern world both run the risk of remaining anonymous.

In the previous post, we talked about the sources of inspiration of the musician, now we have seen that we need a good mix of improvisation and theory if we want to compose.

This will be even more true in the next post, in which I will talk about the composition at the instrument and the composition away from the instrument. In this case, in fact, it is absolutely necessary to know the theory rather than improvisation, as it misses its own raw material: an instrument to play.

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Le fonti d'ispirazione del musicista

2011-02-21T01:28:00.002+01:00

[Post n.3] Nei post precedenti abbiamo parlato di composizione e del perché comporre una musica. A questo punto però qualcuno potrebbe chiedersi "sì ok, io ora voglio comporre qualcosa, ma non so da dove iniziare, quali possono essere le mie fonti d'ispirazione?"

Effettivamente anche se disponiamo di tutta la buona volontà del mondo, se non sappiamo da dove trarre idee e ispirazione il problema può sembrarci abbastanza grande. Eppure la risposta è più facile di quello che sembra.

1) Innanzitutto è necessario ascoltare moltissima musica. Un ascolto attento aiuterà a sviluppare un buon orecchio, ci permetterà di riconoscere le melodie, i pattern, gli stili. Dalla musica preesistente possiamo trarre idee, sviluppare variazioni di motivi noti, essere folgorati durante l'ascolto da un'intuizione originale ecc. Questo aspetto non è da trascurare, perché il nostro cervello assimila molte più informazioni di quelle che ricordiamo e di quelle di cui ci rendiamo conto. Così in futuro potrebbe tornarci in mente una breve melodia di cui non ricordiamo la provenienza, potremmo trovarci a fischiettare un motivetto che ci piace ma di cui ci sfugge l'origine. In realtà queste potrebbero anche essere nuove idee musicali originate dall'ascolto di musica e che abbiamo rielaborato nella nostra testa nel corso del tempo.

2) A volte la commistione di generi musicali diversi, o di stili e idee provenienti da culture differenti può avere lo stesso effetto e rivelarsi una straordinaria fonte d'ispirazione. Il mix di questi elementi radicati in culture a volte lontanissime e molto diverse può aprire al compositore orizzonti di straordinaria grandezza e il risultato della composizione potrebbe essere sorprendente. Qualche esempio banale:

- "quel musicista dopo aver passato gli ultimi 10 anni della sua vita in Brasile ha composto un album di samba e bossa nova"; "

- l'incontro di 2 anni fa tra Tizio e Caio, tra gli indiscussi re del blues, è all'origine di questo nuovo singolo in stile blues di Tizio".

3) Un terzo fattore da tenere in considerazione è strettamente legato al precedente, ma è più generale. Non solo è necessario ascoltare molta musica, ma bisogna prestare attenzione anche a tutte le fonti musicali che ci circondano. Il mondo abbonda di musica. Ovunque ci troviamo sentiamo jingle, brevi motivi in spot pubblicitari, artisti di strada che improvvisano composizioni, ma anche gente che canta, uccelli che cinguettano, ragazzi in metropolitana che ascoltano l'mp3 a volume talmente alto da riconoscere cosa stanno ascoltando, e molto ancora.

Ebbene, come una frase sentita dire di sfuggita, un breve scritto di un amico o la citazione di un libro può essere d'ispirazione per la nostra ultima poesia, così tutto il materiale di cui sopra - dalla musica che ascoltiamo attivamente a quella che ci troviamo ad ascoltare per il solo fatto di esistere - può fare da fonte d'ispirazione per un nostro lavoro musicale.

Beh, a questo punto abbiamo già una buona base di partenza, il materiale da cui trarre ispirazione è tanto. Eppure le fonti sono molte di più e non sempre così immediate come quelle precedenti.

4) Potremmo trovarci ad attendere qualcuno in un bellissimo giardino colorato, ad ammirare un tramonto sul mare, ad osservare la nebbia che si infrange contro cime innevate, a seguire la danza di foglie autunnali che cadono dagli alberi e molto ancora. La natura e la sua osservazione sono una grandissima fonte di ispirazione. Qui però solo raramente abbiamo suoni che possono guidarci. Il fruscio delle foglie. Lo scroscio del mare. Il grosso del lavoro lo dobbiamo fare dentro di noi: elaborare queste immagini e queste sensazioni, e convertirle in musica.

E qui sicuramente qualcuno storcerà il naso. "Trarre spunto da questi elementi non è cosa facile". Ne siamo veramente sicuri? Proviamo a combinarli.

Le onde che si infrangono sulla spiaggia battono il tempo, sono il nostro metronomo, ci vengono in mente un paio di note leggere, mentre una sirena in lontananza irrompe come un accordo maestoso proprio in mezzo alla quiete...

Un uccello canticchia su un ramo mentre il vento tra gli alberi crea un sottofondo musicale continuo. Folate di vento più intenso spingono più in alto le foglie caduche quasi a voler accentare in quegli istanti precisi il canto dell'uccello, come se fossero il suo direttore d'orchestra...

Gli esempi sono infiniti.

Siamo visionari? Sognatori? Instancabili romantici? Illusi? No, siamo musicisti.

Ma andiamo avanti.

5) Cosa possiamo combinare con le fonti di ispirazione di cui sopra? Quali sono gli altri elementi da quali possiamo trarre spunto per una composizione?

Ad esempio, i nostri sentimenti, le nostre sensazioni. È certamente fuori discussione il fatto che il nostro umore influenzi le nostre composizioni. Il paragone con la poesia ovviamente torna di nuovo utile. Come un testo può riflettere la tristezza, la gioia, l'illusione, la disillusione ecc. dello scrittore, così può farlo la musica. Torniamo quindi ad un concetto già espresso. La composizione è anche comunicazione. "Si tratta di usare solo un linguaggio diverso, le note invece che le parole, il pentagramma invece che una lettera".

6) Ad un livello ancora più alto potremmo trovare ispirazione in concetti addirittura più generali, come l'amore in sé, o la bellezza. Vorremo allora comporre per dare suono all'idea della bellezza, come un pittore le ha dato colore dipingendo una Venere o come uno scultore le ha dato forma scolpendo un corpo nudo.

7) I nostri ricordi non solo di avvenimenti, di immagini o di sensazioni, ma anche di persone care o di torti subiti possono essere un ulteriore fonte d'ispirazione. In generale è la nostra memoria che è una grandissima fonte d'ispirazione. Dobbiamo imparare ad esplorarla e a tradurre in musica quello che portiamo dentro di noi.

8) Finora ci siamo lasciati ispirare da qualsiasi cosa, ma non ancora dal nostro strumento. Strimpellare qualche nota oppure approfondire un elemento della teoria che stiamo studiando potrebbero essere due esempi perfetti. Nel primo caso improvvisiamo qualche nota creando qualche sequenza che se ci piace possiamo trascrivere o memorizzare per lavorarci più avanti. Nel secondo caso sfruttiamo la teoria (ad esempio, lo studio degli intervalli) per creare qualcosa di originale. Mentre studiamo il nostro strumento o ci esercitiamo, quello che suoniamo potrebbe essere portatore di idee musicali che dobbiamo solo scoprire e elaborare. Addirittura da un esecuzione sbagliata, che stravolge una melodia, un ritmo, o un significato potremmo prendere spunto per la creazione di una nuova composizione originale.

Credere in quello che si fa, comporre con entusiasmo, essere creativi e rischiare fanno da corollario a questo discorso sulle fonti d'ispirazione. Anche l'idea migliore e il compositore più in gamba ne hanno sempre bisogno.

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Sources and ideas for compositions

2011-02-20T21:48:00.003+01:00

[Post # 3] In the previous posts we talked about composition and why composing music. Now, however, someone might ask himself "yes ok, now I want to write some music, but I do not know where to start, which are my sources of inspiration?"

Indeed, even if we are really motivated, this problem can seem big enough, if we do not know where to get ideas and inspiration. Yet the answer is easier than it looks.

1) First you need to listen to a lot of music. A careful listening will help to develop a good pitch, to recognize melodies, patterns, styles. From already existing music we could take ideas, develop variations of melodies known, we could be stricken by an original intuition and so on. We do not have to ignore this things, because our brain absorbs much more information than we remember and than we realize. In the future a short melody could come back to our mind and we do not remember the source, we may find ourselves whistling a tune that we like, but we do not understand where we get it. These ideas could simply be the result of music listened long time ago that we have revised over time.

2) Sometimes the mix of different musical genres, styles and ideas coming from different cultures, can have the same effect and be an incredible source of inspiration. The mix of these elements belonging to cultures sometimes very different from ours, can open to the composer new horizons and the result of the composition could be surprising. Some simple examples:

- "That musician has composed an album of samba and bossa nova after spending the last 10 years of his life in Brazil ";

- "The joint between Tom and Dick, the king of the blues, has been the basis for this new single-style blues of Tom. "

3) A third factor to consider is closely related to the previous two, but is more general. It is not only necessary to hear a lot of music, we must also pay attention to all the musical sources that surround us. The world is full of music. Everywhere we are we hear jingle, short melodies in commercials, street performers who improvise compositions, people singing, birds chirping, kids on the subway who listen to the mp3 player so high that we recognize what they are listening to (!), and much more.

Well, as a phrase heard from someone passing by, a brief written by a friend or a quote from a book can be an inspiration for our last poem, so all the above material can be a source of inspiration for our musical works.

Now we have a good starting point. Yet the sources of inspiration are much more and not always so immediate as the previous ones.

4) We could have an appointment in a beautiful, colourful garden; we could admire the sunset over the sea; watch the mist crashing against snowy peaks; follow autumn dancing leaves falling from the trees and much more. The Nature and its observation are a great source of inspiration. Here, however, we have rarely real sounds that can guide us. The rustle of leaves. The roar of the sea. But the bulk of the work must be done within us: to develop these images and sensations, and convert them to music.

Now someone could be disappointed. "To be inspired from these elements is not so easy." Are we really sure? We try to combine them.

The waves breaking on the beach are giving us the time, like a metronome, a couple of notes come in our mind, meanwhile we hear a siren in the distance as a suddenly chord exploding right in the middle of this quiet atmosphere...

A bird sings on a branch and the wind is blowing between the trees, creating a continuous background music. More intensive wind blasts push the leaves higher to stress in those precise moments the singing of the bird, as they were its orchestra leader...

The examples are endless.

Are we dreamers? Tireless romantic? No, we're musicians.

But let's go on.

5) Which are the other elements that can inspire our compositions? For example our feelings. It is a fact that our mood affects our own compositions. The comparison with the poetry can be useful again. As a text can reflect the sadness, happiness, illusion or disillusionment of the writer, so can do the music. Let us return then to a concept already expressed. The composition is also communication. "It is only about using a different language, notes instead of words, staffs rather than letters."

6) At an higher level we might find inspiration in even more general concepts, like love or beauty. We would then compose to give a sound to the idea of beauty, like a painter gave her colours painting a Venus, or like a sculptor gave her a form, carving a naked body.

7) Our memories not only of events, images or sensations, but also of dear persons or sad moments may be an additional source of inspiration. Our memory is in general a great source of inspiration. We must learn to explore it and to put into music what we carry inside us.

8) We have been inspired by anything so far, but not yet by our instrument. Improvising few notes or deepening elements of the theory we are studying could be two perfect examples. In the first case we improvise few notes, creating some sequence that, if we like, we can write down or save for later work. In the second case we use the theory (for example, the study of intervals) to create something original. What we play by studying our instrument or practising it, can bring us musical ideas that we just have to discover and develop. Even from a wrong execution, which twists a melody, a rhythm, or a meaning, we could get ideas for creating a new original composition.

To believe in what we do, to compose with enthusiasm, to be creative and to take risks are a corollary to this argument about the sources of inspiration. Even the best idea and the best composer need them.

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La composizione musicale

2011-02-11T00:31:00.002+01:00

[Post n.2] Con il termine composizione musicale si possono intendere 2 cose:

1) un brano originale di musica;

2) l'attività compositiva che conduce alla creazione di musica originale.

I due significati sono chiaramente legati tra di loro. Una composizione musicale nasce da un processo compositivo, o in altri termini, l'attività compositiva può condurre alla creazione di musiche originali.

A noi interessa per il momento principalmente il primo significato del termine. Se ci accingiamo a comporre un brano dobbiamo tenere presente che esso deve avere tra le sue caratteristiche almeno le seguenti:

deve essere opera del nostro ingegno;
deve contenere una combinazione di fattori quali ritmo, tempo, melodia, armonia, dinamica ecc.;
deve prevedere combinazione e organizzazione dei diversi elementi tematici (idee musicali), i quali insieme devono formare un tutto;
deve essere costruita secondo struttura e regole precise, oppure secondo la sistematica violazione di schemi e regole date, oppure secondo un mix di rispetto delle regole e consapevole violazione delle stesse.

Una composizione di musica è allora un brano originale e compiuto (non nel senso di finito, terminato, ma nel senso di "a sé stante") che contiene e combina al suo interno diverse idee musicali ed elementi distintivi (ritmo, tempo ecc.) organizzati secondo una struttura e delle regole che sono scelta del musicista compositore.

Una composizione musicale è profondamente legata ai seguenti elementi:

1) l'epoca storica in cui viene creata;

2) la personalità del compositore;

3) fattori culturali.

La combinazione di questi ultimi tre elementi determina quello che viene chiamato stile, sia in termini generali (musica barocca, romantica ecc.), sia in termini particolari ("lo stile del musicista").

La combinazione degli elementi precedenti determina invece lo stile del brano, anche in questo caso sia in termini generali (composizione classica, musica leggera, ecc.), sia in termini particolari (notturno, valzer, ecc.).

Infine una composizione può nascere dall'improvvisazione (composizione istantanea, spontanea o estemporanea), oppure dall'attività sistematica di composizione. Nel primo caso nasce prima la musica e poi eventualmente lo spartito. Nel secondo caso lo spartito precede l'esecuzione del brano.

Nel prossimo post parlerò delle fonti d'ispirazione del musicista. Stay tuned.

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Musical composition

2011-02-10T23:52:00.003+01:00

[Post # 2] The term musical composition can refer to two things:

1) an original piece of music;

2) the compositional activity that leads to the creation of original music.

This two meanings are clearly related to each other. A musical composition is created by the process of composition, or in other words, the compositional activity can lead to the creation of original music.

We are interested for the moment at the primary meaning of the term. If we are going to compose a song we must keep in mind that it must have at least among its features the following:

must be the work of our intelligence;
must contain a combination of factors such as rhythm, tempo, melody, harmony, dynamics etc.;
must include the combination and the organization of various thematic elements (musical ideas), which together should form a whole;
must be built according to strict rules and structure, or according to the systematic violation of pattern and rules already given, or as a mix of compliance and conscious violation of this rules and schemes.

A musical composition is an original and completed song (not in the sense of finished, done, but in the sense of "stand-alone") that contains and combines within it different musical ideas and distinctive elements (rhythm, time, etc..) organized in structure and rules chosen by the composer.

A musical composition is closely linked to the following elements:

1) the historical era in which it is created;

2) the personality of the composer;

3) cultural factors.

The combination of these three elements determines what is called style, both in general (baroque music, romantic music, etc..) and in particular terms ("the style of the musician").

The combination of the previous elements determines instead the style of the song, again both in general (classical composition, pop music, etc..) and in particular terms (nightmusic, waltz, etc.).

Finally, a musical composition may come out from improvisation (instant composition, spontaneous or extemporaneous), or from the activity of systematic composition. In the first case, the music performance comes first and then eventually the score. In the second case the score precedes the performance.

In the next post will write something about the source of inspirations of the musician. Stay tuned.

Copyright © Piano Feeling. As always, all material on this site is free, please quote and add a link to the source (this page) if you want to copy somewhere else all or only parts of this article. Thanks.

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Perché comporre musica?

2011-02-06T16:19:00.021+01:00

[Post n°1] Con questo post do inizio ad una serie di interventi sulla composizione musicale. Parlerò talvolta di teoria, altre volte di pratica mostrando alcune sequenze e progressioni di accordi standard, gli accompagnamenti della mano sinistra, le tecniche per creare una melodia ecc. Comincerò con piccole notazioni generali fino ad arrivare alla composizione di un brano partendo da zero.

Il tutto ha inizio con un concetto generale.

La domanda che alcuni musicisti si pongono "perché comporre musica?" nasconde in realtà un imbarazzo emotivo, un blocco psicologico, forse vergogna ("e se poi il pezzo non piace?") o eccessiva modestia ("non è un gran che", "non sono abbastanza bravo" ecc.).
In realtà la domanda che bisognerebbe inizialmente porsi è: perché NON comporre musica?

Noi cresciamo in un sistema educativo che insegna a tutti (o quasi) a leggere e scrivere fin dai primi anni di vita. Pochi hanno però la possibilità (o il privilegio) di acquisire anche nozioni di musica. Sebbene la musica circondi e accompagni ogni istante della nostra vita, il suo insegnamento non è offerto o garantito a tutti.

Generalizzando un po' possiamo dire che se ci guardiamo intorno, praticamente chiunque ha scritto una "poesia" o (se non vogliamo esagerare) un "messaggio poetico". Lo abbiamo fatto noi e lo hanno fatto i nostri amici e conoscenti, magari per dedicarla alla prima fidanzata, per descrivere uno stato d'animo, per commentare un evento lieto o per un qualsiasi motivo che ci ha permesso di vivere emozioni particolari. Chiunque sappia leggere e scrivere teoricamente è in grado di mettere nero su bianco un "componimento poetico" (le virgolette sono d'obbligo, è un esempio e sto appositamente esagerando).

La musica non è che un linguaggio mediante il quale è possibile esprimersi. Allora comporre musica può essere un'alternativa allo scrivere una poesia. Bisogna semplicemente conoscere la musica. Il musicista da questo punto di vista non ha nessun motivo per NON comporre musica.
Il giovane poeta, o il giovane compositore, utilizzano solo un linguaggio diverso avendo però lo stesso fine: comunicare qualcosa a se stessi o agli altri.

Eccoci tornati allora alla domanda con la quale avevo iniziato il post: perché comporre musica?

Un primo motivo sarebbe: per sopravvivere (ma non nel senso di "se non compongo questo brano mi sento di morire!"). In questo caso saremmo dei compositori professionisti. Presentare nuove composizioni è quindi la nostra principale fonte di guadagno.
Chi pensa che questo scenario riguardi solo gruppi rock o cantautori ecc. si sbaglia. Qualche secolo fa anche musicisti classici avevano l'esigenza di comporre, dovevano portare le loro nuove opere all'editore. Questo era per loro un mezzo di sostentamento, insieme ad esempio alle lezioni di musica.
Noi tuttavia siamo compositori della domenica, abbiamo appena iniziato, scriviamo musichette non capolavori. Quello di guadagnare qualcosa potrebbe all'inizio non essere per noi un motivo sufficiente che ci spinga a comporre.

Ecco forse un motivo più ragionevole e già accennato. Noi componiamo per comunicare.
Chi conosce il linguaggio musicale, se lo desidera, può comunicare qualcosa con questo mezzo, proprio come il giovane innamorato, conoscendo la scrittura può comunicare qualcosa alla fidanzata. Si tratta di usare solo un linguaggio diverso, le note invece che le parole, il pentagramma invece che una lettera.

Comunicare qualcosa agli altri potrebbe anche non essere il nostro fine compositivo, anzi ciò potrebbe non interessarci proprio. Del resto a molti musicisti la composizione in sé non interessa neppure, essi ad esempio preferiscono esprimere la propria arte mediante l'interpretazione di brani scritti da altri artisti.
Tuttavia potremmo decidere di scrivere un brano anche solo per ricordarlo. Non possiamo avere la certezza che tra 10 anni saremo ancora in grado di eseguire in modo identico quella sequenza di note, quel motivetto che tanti anni fa suonavamo come espressione di qualcosa provato a quel tempo.
In questo caso la composizione scritta ha sia la funzione di preservare nel tempo le nostre creazioni, sia la funzione di farci rivivere quelle sensazioni che provavamo allora, quando abbiamo tirato fuori dal nulla quella musica. In questo caso la composizione è comunicazione, ricordo, espressione di emozioni per sé stessi e non per gli altri.

Ricapitolando, possiamo dire che non esistono ragioni sufficientemente valide che impediscano al musicista di comporre musica. Quello che conta è conoscere il linguaggio (tecnicamente suonare uno strumento, anche se talvolta neppure è necessario). Anche questioni personali o caratteriali (vergogna, modestia) non possono avere la meglio su quello che può essere il desiderio di ricordare o comunicare qualcosa in futuro anche solo a sé stessi.

Comporre per:
- sopravvivere
- comunicare
- ricordare e rivivere

Non siamo geni impegnati nello sforzo creativo di creare un'opera d'arte, siamo persone comuni che vivono e provano emozioni. Talvolta non c'è niente di più bello che poterle condividere.

Nel prossimo post parlerò di un altro concetto fondamentale: cos'è una composizione musicale.

Se questo post è stato di vostro gradimento o anche solo se vi interessano questo blog e le mie cover/trascrizioni, una piccola donazione sarebbe davvero lieta (cliccando il pulsante in alto nel menù a destra). Oltre a dimostrare apprezzamento mi aiuterebbe ad andare avanti e naturalmente a fare altri lavori musicali. Grazie!

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Why composing Music?

2011-02-06T13:00:00.006+01:00

[Post #1] This is my first post about musical composition. Sometimes I'll talk about theory, sometimes about practice, showing some sequences and standard chord progressions, the accompaniments of the left hand, techniques to create a melody and so on. I'll start with small general information up to the composition of a song.

Everything begins with a general concept.

Some musicians ask themselves "why composing music?". This question hides emotional embarrassment, a psychological block, maybe shame ("and if you do not like the piece?") or excessive modesty ("the song is not really that good", "I am not good enough", etc...)
We should ask ourselves instead: why NOT composing music?

We grow in an educational system that teaches everyone (or almost everyone) to read and write from the first years of life. But only the few have the chance (or the privilege) to learn music. Although music surrounds and accompanies every moment of our life, its teaching is not offered or guaranteed to all.

Generalizing a bit, we can say that if we look us around, almost everyone wrote a "poem" or (if we do not want to exaggerate) a "poetic message". We did it and our friends did it too. Perhaps it was dedicated to our first love, was written to describe a mood, to comment an happy event or for any reason that gave us the chance to experience particular emotions. Anyone who can read and write is theoretically able to write a "poem" (the quotes are a must, it is an example and I am expressly exaggerating).

Music is simply a language through which you can express something. To compose music can be then an alternative to write a poem. You simply must know the music. Musicians from this point of view have no reason NOT to compose music.
The young poet, or the young composer, just use a different language but having the same purpose: to communicate something to themselves or to the others.

So here we are back to the question with which I began this post, why composing music?

One reason would be: to survive (but not in the sense of "if I do not compose this song I would feel like dying!"). In this case we would be professional songwriters. Presenting new compositions is therefore our main source of income.
Those who think that this scenario relates only to rock bands or singers etc. are wrong. A few centuries ago classical musicians had the need to compose, they had to bring their new works to the publisher. This was for them a livelihood, along with music lessons for example.
However, we are Sunday composers, we just started writing "jingles" not masterpieces. To earn some money could not initially be a good reason for us to compose music.

Here maybe a better reason, that I already mentioned before. We compose to communicate.
Those who know the language of music, if they wish, can communicate something with this medium, just as the young lover, knowing the writing, can communicate something to his girlfriend. It is only about using a different language, notes instead of words, staffs rather than letters.

To communicate something to other people may not be interesting for us, many musicians not even care about composition, for example, they prefer to express their art through the interpretation of songs written by other artists.
However we may decide to write a song just to remember it. We can not be sure that in 10 years we will still be able to play in the same way that sequence of notes, that tune we played many years ago as an expression of something felt at that time.
In this case, a written composition has the function of preserving our creations over time, the function of making us live again those feelings that we felt then. In this case, the composition is communication, memory, expression of emotions to themselves and not to other people.

In short, we can say that there are no strong reasons to prevent the musician to compose music. What is important is to know the language (technically to play an instrument, even though this is sometimes not necessary). Even personal issues (shame, modesty) can not hide the desire to remember or to communicate something in the future even only to ourselves.

To compose to:
- survive
- communicate
- remember and live again

We are not geniuses involved in the creative effort to create a masterpiece, we are ordinary people who live and feel emotions. Sometimes there's nothing better than to share them.

In the next post I will discuss another basic concept: what is a musical composition.

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Learn To Compose And Notate Music - Beginning Level (By Lee Evans and Martha Baker). Evans Piano Education. 24 pages. Published by Hal Leonard (HL.9072)
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Snow Falls - Original Composition for Piano

2011-01-09T19:07:00.077+01:00

La descrizione in italiano si trova in basso
subito dopo il video.

Piano Piece easy to play and to listen. It belongs to a collection of some Original Easy Listening Piano Pieces (Landscapes Vol.3) on which I'm working at the moment. The idea behind these Pieces is to make relaxing music that everybody can play. You can find my original scores here.

Very easy Chord Progression and Song Structure.

Chord Progression:

4 Chords / 8 Bars (2 Bars p. Chord)

Song Structure:

Intro (8 Bars repeated twice)
Main Theme (same as Intro but different octaves and accompaniment; 8 Bars repeated 4 time with only minor changes)
Interlude (8 Bars in the middle of the Song)
Repetition/Restatement (like the main Theme but shorter; 8 Bars repeated now only twice)
Outro (like the second half of the Intro)

As always, a strong Song Structure and a familiar Chord Progression, make the Piece easy to remember for the players and for the listeners.

Improvise by Learning How to Compose By Lee Evans. For piano. Evans Piano Education. Intermediate. 28 pages. Published by Edward B. Marks Music (HL.9054)
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Brano orecchiabile e di esecuzione non complicata che fa parte di una collezione di alcuni Brani Originali per Pianoforte (Paesaggi Vol.3) sui quali sto lavorando. L'idea è quella di realizzare musiche gradevoli e non complesse che possono suonare tutti. Qui si trovano gli spartiti delle mie composizioni originali.

Questo pezzo è caratterizzato da una semplice progressione di accordi e altrettanto semplice struttura.

Progressione armonica:

4 accordi / 8 battute (2 battute per accordo)

Struttura del brano:

Intro (8 battute ripetute due volte)
Tema principale (simile all'Intro ma suonato con accompagnamento diverso e su altre ottave; 8 battute ripetute 4 volte con pochi cambiamenti)
Interludio (8 battute al centro del brano)
Ripetizione/Ripresa (riproposizione del tema; 8 battute ripetute ora solo due volte)
Outro (come la seconda metà dell'Intro)

Come sempre, una solida struttura interna e una progressione di accordi familiare, rendono il brano facile da ricordare sia per chi lo suona che per chi lo ascolta.

Se la mia musica è stata di Vostro gradimento o se almeno avete apprezzato il mio lavoro, potete fare una piccola donazione (cliccando il pulsante nel menù a destra) e riceverete in cambio, se li desiderate, gli spartiti delle mie musiche in formato PDF. Grazie!

Improvise by Learning How to Compose By Lee Evans. For piano. Evans Piano Education. Intermediate. 28 pages. Published by Edward B. Marks Music (HL.9054)
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Bryan Adams - Please Forgive Me - Piano Cover

2010-12-22T23:09:00.007+01:00

La descrizione in italiano si trova in basso
subito dopo il video.

This is my complete cover of "Please Forgive Me", famous and beautiful ballad by Bryan Adams. I played and transcribed the complete Song, including the Guitar Intro and Solo, that I rearranged for Piano.

There are really no particular difficulties to play this Song. Just 2 things to say:
1) by playing the second verse and chorus (Bars 6-31) I have made some little changes. For example the bars 11 and 12-13 are played slightly different (right hand). The same happens to the bass notes (bars 27-31). These are only examples. Everybody can do the changes that he want, if he want.
2) The chorus is in 6/4 not the standard 4/4. Please be careful by putting the accents.

This is a pretty big transcription (4 pages), so if you saved time and money to learn this Song I would really appreciate if you would think about making a small donation (right sidebar menu button), in exchange I will send you this transcription in PDF or the scores of my original compositions. Thanks!

Download my PDF Sheet Music transcription of this cover
from LULU website or browse more Bryan Adams Songbooks.

Ecco la mia cover di "Please Forgive Me", un lento famoso e orecchiabile di Bryan Adams. Ho suonato e trascritto l'intera canzone incluso Intro e assolo di Chitarra che ho riarrangiato per Pianoforte.

Non ci sono molte difficoltà d'esecuzione. Forse solo un paio di cose da dire:
1) nella ripetizione della seconda strofa e del ritornello (battute 6-31) ho improvvisato alcune modifiche, ad esempio nelle battute 11 e 12-13 (mano destra) oppure durante il secondo ritornello ho sonato diversamente il basso. Si tratta comunque solo di esempi. Ognuno può fare i cambiamenti che vuole, se vuole.
2) Il ritornello è in 6/4 non in 4/4 quindi bisogna fare attenzione agli accenti quando lo si suona.

Si tratta di una trascrizione abbastanza grande (4 pagine), perciò se avete risparmiato tempo e denaro per imparare questo brano sarebbe bello se pensaste a fare una piccola donazione (menu in alto a destra) riceverete in cambio questa trascrizione in pdf.

Scarica la mia trascrizione in PDF di questa cover
dal sito LULU o cerca altri spartiti di Bryan Adams.